Este tópico se destina a conhecermos a vida e a obra dos artistas idolatrados por Michael, afim de entendermos sua admiração por estes famosos ícones!

Aproveitando a passagem do dia 16 de abril de 2011, vamos homenagear os 122 anos do nascimento de Charles Chaplin!

MICHAEL JACKSON em Traje de Chaplin Vagabundo





Jackson estava fascinado, se não de fato obcecado com a trajetória da história de vida de Charlie Chaplin.



Covers





Como Chaplin, Jackson foi para o show business em uma idade muito precoce.






Chaplin em seu primeiro papel profissional como intérprete criança: ele era um membro da trupe de dança entupir: O Eight Lancashire Lads.




Referindo-se ao profundo impacto emocional dessa experiência, Chaplin observado "minha infância terminou com a idade de sete anos." Sem dúvida, um aspecto de profunda identificação emocional de Michael Jackson com Charlie Chaplin foram suas experiências compartilhadas de infâncias prematuramente encerradas. Ambos podem ser vistos como casos de desenvolvimento reprimido.

Repetidamente, os amigos de Chaplin observavam que até mesmo como um homem crescido na casa dos trinta ainda havia um pouco de menino ferido em Charlie, que nunca cresceu.


A fama mundial de Jackson veio acompanhada por fortes desejos emocionais de captura de um estado infantil da inocência perdida. Infelizmente, esses anseios levaram no caso de ambos (os homens "crescidos") para relações problemáticas com os jovens que por sua vez se tornaram fontes de controvérsia sensacional escândalo, e ações judiciais por danos financeiros.


Jackson se viu em Chaplin. Como Charlie, Michael também passou a tornar-se amado pelos fãs e admiradores em todo o mundo. E também como Chaplin, Jackson se tornou foco de escândalos que quase destruíram sua carreira. A natureza de tais escândalos proveio do fato de tanto Chaplin como Jackson continham o desenvolvimento emocional. Em caso de Chaplin foi expressa a sua obsessão por jovens, enquanto em Jackson era com garotos.

É surpreendente que Michael Jackson se sentiu tão profundamente identificado com a história de vida de Charlie Chaplin.





SMILE de Charlie Chaplin com Michael Jackson!


"Smile" é uma música baseada em um tema instrumental utilizado na trilha sonora de 1936Charlie Chaplin do filme Tempos Modernos . Chaplin compôs a música, enquanto John Turner e Geoffrey Parsons adicionou a letra e título em 1954. Na letra, o cantor está dizendo ao ouvinte para animar e que há sempre um futuro brilhante, apenas enquanto eles sorriem . "Smile" tornou-se um padrão popular desde o seu uso original no filme de Chaplin.


Versão Original
A canção foi originalmente cantada por Nat King Cole , um mapa em 1954Foi também abrangidos pela filha Cole, Natalie, em seu álbum de 1991, Unforgettable ... With Love.
Na Grã-Bretanha , versões rivais foram liberados por Lita Roza e Petula Clark , em 1954. Clark mais tarde re-gravou para seu álbum de 1968 do Outro Homem a grama é sempre mais verde , altura em que era amigo pessoal de Charlie Chaplin .

Michael Jackson versão
Smile era a música preferida de Jackson.O cantor gravou a canção em 1995 para seu álbum duplo HIStory: Passado, Presente e Futuro, Livro I.


MICHAEL JACKSON – SMILE



Smile, tough your heart is aching (Sorria, embora seu coração esteja doendo)



Smile, even though it’s breaking (Sorria, mesmo que ele esteja partido)



When there are clouds in the sky, you’ll get by (Quando há nuvens no céu, você sobreviverá…)



If you smile (Se você apenas sorri)



Through your fears and sorrow, smile (Com seu medo e tristeza, sorria)



And maybe tomorrow (Sorria e talvez amanhã)



You’ll see the sun come shining through for you (Você descobrirá que o sol brilhará através de você)



Light up your face with gladness (Ilumine sua face com alegria)



Hide ev’ry trace of sadness (Esconda todo rastro de tristeza)



Altho’ a tear may be ever so near (Embora uma lágrima possa estar tão próxima)



That’s the time you must keep on trying (Este é o momento que você tem que continuar tentando)



Smile (Sorria)



What’s the use of crying (Pra que serve o choro?)



You’ll find that life is still worhwhile (Você descobrirá que a vida ainda vale a pena)



If you just smile (Se você simplesmente sorrir)




A suavidade e a doçura da voz de Michael ficaram perfeitas nesta canção do “gênio” Chaplin.



https://www.youtube.com/watch?v=tzn8Wcm7Qcs


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Reveillon - Charles Chaplin e Michael Jackson fazem sucesso na praia


Sósias de Michael Jackson e Charles Chaplin fazem graça no calçadão de Copacabana, próximo ao palco principal, nas imediações do hotel Copacabana Palace.Cercados de fãs, eles deram autógrafos e tiraram fotos com o público, que começa a lotar a orla carioca. Aos gritos de “Michael Jackson não morreu”, Roberto Muniz, de 40 anos, conta que se veste como o ídolo desde os 17 anos.




Este é o segundo réveillon de Roberto em Copacabana , onde chegou às 16h, vindo do município de Itaboraí, na Região Metropolitana do Rio. Já Roberson Martins, de 32 anos, poeta, se veste de Charles Chaplin há três anos. Ele saiu de Campo Grande, na Zona Oeste, e chegou na praia ao meio-dia.


Chaplin: o gênio do cinema mudo





“Pensamos em demasia e sentimos bem pouco.



mais do que de máquinas, precisamos de humanidade.Mais do que de inteligência, de afeição e doçura.


Sem essas virtudes, a vida será de violência

e tudo será perdido.

Biografia





Charles Spencer Chaplin nasceu no dia 16 de abril de 1889 às 20 horas, em um subúrbio de Londres. Sua mãe, Lili Harley, era atriz de comédia. Seu pai, também artista do music-hall, abandonou a família quando Charles ainda era pequeno. Um grave problema de laringite acabou com a carreira da jovem Lili Harley, obrigando Charles Chaplin a debutar artisticamente com apenas cinco anos de idade.



Os pais de Chaplin



Hannah Hill e Sr Charlie Chaplin. eram atores aspirantes adolescentes quando eles se conheceram e se apaixonaram enquanto passeava na companhia road show de Shamus O'Brien em 1881.
"A mãe era uma soprana no palco de variedades, um mignonne em seus vinte e tantos anos, com pele clara, olhos azul-violeta e cabelos castanho-claros longos que ela podia se sentar em cima. Embora ela não era uma beleza excepcional, que pensou que sua aparência divina ... ela era bonita e atraente e tinha charme ", Chaplin recordou [1964].

O teatro, muito freqüentado por soldados, não era propriamente um local "seletivo", mas foi onde o pequeno Chaplin pôde demonstrar pela primeira vez o seu grande talento para a interpretação.
Os primeiros anos da vida de Chaplin se passaram em orfanatos, e foi neles onde Chaplin encontrou todos os elementos que utilizaria mais tarde nos roteiros dos filmes que dirigiu e interpretou. Essa primeira etapa da sua vida não tinha o humor nem a ironia com a qual o cineasta sensibilizou o público do mundo inteiro.Felizmente, Chaplin acabou construindo a sua vida com a única coisa positiva que poderia ter herdado da sua família: a paixão pelo teatro. Graças a seu pai, comemorou o seu oitavo aniversário contratado por uma companhia de bailarinos chamada Eight Lancashire Lads. Pouco depois, a morte de seu pai e a internação da sua mãe em um sanatório marcariam a vida de Chaplin profundamente. Nessa época assinou seu primeiro contrato estável como ator, interpretando um mensageiro em uma versão de Sherlock Holmes. Com esse trabalho, melhorou sua situação financeira. Nesse mesmo ano conseguiu um emprego no Circo Casey, onde pôde desenvolver as suas habilidades cômicas. Já na primeira apresentação, conseguiu arrancar sonoras gargalhadas do público pela maneira desesperada com a qual recolhia as moedas atiradas à arena.

O adolescente Chaplin conseguiu um lugar na companhia do acrobata Fred Karno, apresentado por seu irmão Sidney. Karno, que fazia sucesso com espetáculos de mímica, chegou a ter cinco companhias, apresentando-se em todas simultaneamente. Chaplin rapidamente superou o artista Harry Weldon, com quem dividia o número e, em 1909, teve a sua primeira temporada em Paris.



Chegando em Paris, conheceu os favores das prostitutas, e a cidade onde os irmãos Lumiére, George Méliés e Max Linder fizeram nascer a magia do cinematógrafo. Anos mais tarde, Max Linder diria: "Chaplin teve a gentileza de me confessar que os meus filmes o levaram a fazer os seus próprios filmes. Chamou-me de mestre, mas fui eu que tive o prazer de aprender com ele". Naquela época, o mundo das imagens animadas ainda lutava para conseguir uma linguagem própria e um reconhecimento social.

Depois de outra turnê pelo norte da Inglaterra, Karno ascendeu Chaplin a primeiro ator das representações que a companhia faria nos Estados Unidos, em 1910. Toronto e Nova Iorque foram as primeiras paradas desta turnê, antes de prosseguir para o oeste. A Broadway não assimilou o humor inglês, mas Chaplin chamou a atenção de alguns jornais e de um jovem espectador, que nessa época trabalhava para o cinema; era Mack Sennett, que voltaria a encontrar Chaplin dois anos mais tarde, em uma nova turnê pelos Estados Unidos.

Enquanto estava na Filadélfia, em 1913, Chaplin recebeu um telegrama pedindo-lhe que fosse até um escritório no centro da Broadway. Ali funcionava a sede da Keystone Comedy Film Company, onde lhe ofereceram um salário de 150 dólares para que fizesse três filmes por semana. Depois de algumas negociações, Chaplin acabou aceitando o trabalho e, ao chegar reencontrou Mack Sennett, que seria seu novo chefe.




Chaplin dividiu camarim com estrelas da casa, como Ford Sterling, Roscoe Arbuckle e Mabel Normand. No início, Chaplin teve que se adaptar ao estilo de Sennett, com perseguições policiais e exibições de insinuantes banhistas. O seu primeiro filme, estreado em fevereiro de 1914, mostrava as aventuras de um personagem cômico na redação de um jornal. Em seu segundo filme, Corrida de automóveis para meninos (1914), criou um personagem que logo seria identificado pelo público. Sennett pediu-lhe que se vestisse de maneira engraçada.

"Pensei que poderia usar umas calças muito grandes e uns sapatos enormes, além de uma bengala e um chapéu coco. Queria que tudo fosse contraditório: as calças folgadas, o paletó apertado, o chapéu pequeno e os sapatos enormes. Não sabia se deveria parecer velho ou jovem, mas quando me lembrei que Sennett tinha pensado que eu era bem mais velho, coloquei um bigodinho que me daria alguns anos sem esconder a minha expressão". Assim nasceu o famoso "Tramp" (que os povos dos países de idioma espanhol passaram a chamar de "Carlitos"). As disputas com outros diretores e a ambição dificultaram sua relação com a Keystone, depois de ter filmado 35 longas-metragens em apenas um ano. Não foi difícil conseguir, em 1915, um contrato com a Essanay, a produtora que tinha por estrela principal Gilbert M. Anderson, o famoso Bronco Billy dos primeiros filmes western.
A partir desse contrato, Chaplin começou a ganhar 1.250 dólares por semana e uma bonificação extra de 10.000 dólares, com a qual formou uma equipe bastante competente, consolidando uma técnica e um estilo próprios.

Insatisfeito com os estúdios da Essanay em Chicago e em São Francisco, instalou-se em Los Angeles. Desde o primeiro dos quinze filmes que realizou para essa produtora, teve a colaboração de Rollie Totheroth, seu fiel câmera durante sua carreira nos Estados Unidos. Contratou Edna Purviance como primeira atriz dos filmes que realizaria nos próximos quinze anos , logo após ter começado a dirigir, percebeu "que o posicionamento da câmera não era apenas uma questão psicológica, ms também constituía a articulação da cena; na verdade, era a base do estilo cinematográfico". O sucesso de Chaplin foi consolidado pelo contrato com a Mutual em 1916. Em troca de 10.000 dólares semanais e de uma bonificação inicial de 150.000 dólares, Chaplin comprometeu-se a entregar doze curtas-metragens de duas bobinas, dentre os quais estão algumas das sus primeiras obras-primas: "No Armazém" (1916), "Rua da paz" (1917), "O balneário" (1917), "O emigrante" (1917). A produtora colocou um novo estúdio à sua disposição, o Lone Star, e o cineasta pôde trabalhar com liberdade, rodeado por uma equipe de fiéis colaboradores como os atores Eric Campbell, Henry Bergman, Albert Austin e Edna Purviance.

A respeito de seu envolvimento com Edna Purviance, o próprio Chaplin reconheceu na sua autobiografia: "Como Balzac, que achava que uma noite dedicada ao sexo significava a perda de uma página de algum dos seus romances, eu também achava que seria perder um ótimo dia de trabalho nos estúdios".


“Estudei o homem, porque se assim não o fizesse, não conseguiria realizar nada em meu ofício."

Quando os Estados Unidos decidiram entrar na Primeira Guerra Mundial, em 1917, Chaplin utilizou a sua popularidade para vender bônus de guerra com Mary Pickford e Douglas Fairbanks. Dessa experiência surgiram dois filmes: The Bond e Nas Trincheiras (191, uma paródia do exército. Apesar do compromisso com a Cia. First National, o cineasta se uniu a Fairbanks, Pickford e ao realizador David Grifith para criarem juntos a companhia United Artists. A primeira intenção era romper o monopólio de Hollywood, mas Chaplin só pôde começar a dedicar-se à United Artists depois de rodar nove filmes que havia prometido à First National. Entre eles, rodou Vida de Cachorro (191, Os Clássicos Vadios (1921), O Peregrino (1923) e O Garoto (1921). Essa obra-prima de seis rolos contou com a participação do pequeno Jackie Coogan e teve que ser montada longe do domínio dos diretores do estúdio. Nessa mesma época, Chaplin, que já era um cineasta, casou-se com a atriz Mildred Harris, em outubro de 1918, quando ela tinha apenas dezessete anos, tiveram um filho que morreu logo depois de ter nascido, e o casamento durou pouco.



Mildred Harris

Em setembro de 1921, oito anos depois da sua chegada aos Estados Unidos e quando ainda não tinha concluído o seu contrato com a First National, Chaplin decidiu viajar à Europa. A sua passagem por Paris e Londres foi memorável. Durante essa viagem, conheceu várias personalidades do mundo da cultura e escreveu um livro, My Trip Abroad, baseado nessa experiência.
Edna Purviance deveria ter interpretado o papel de Josefina no filme sobre o imperador francês, mas, nesse momento, outras mulheres surgiram na vida de Chaplin. A primeira foi a sua própria mãe, que se mudou de Londres para uma casa na costa da Califórnia, onde o seu filho a instalou sob os cuidados de uma enfermeira. Nessa casa, a velha atriz assistiu com grande orgulho todos os filmes de Chaplin, até morrer, em 1928, durante a filmagem de O Circo, filme com que Chaplin ganhou o seu primeiro Oscar. A segunda destas mulheres, com a qual Chaplin teve uma relação muito agitada foi Peggy Hopkins Joyce, dona de uma conta bancária de três milhões de dólares. Ela contava histórias sobre as suas relações sentimentais, como a de um jovem que se suicidou por sua causa em Paris. Chaplin não deixou nenhuma dessas histórias escapar e inspirou-se nelas para o filme A Opinião Pública (1923), sua estréia definitiva na United Artists, que curiosamente não contou com a presença do "Tramp".
Chaplin também tinha conhecido Pola Negri, quando a atriz alemã estreou em Hollywood. A relação de Pola Negri com Chaplin foi um escândalo alimentado pela imprensa sensacionalista, com manchetes que anunciavam um casamento que nunca chegou a ocorrer. A aventura foi rapidamente superada pela chegada de uma jovem admiradora mexicana, que vestiu o pijama de Chaplin, meteu-se na sua cama e depois tentou envenenar-se diante da porta da sua casa.


Porém Chaplin acabou sucumbindo aos encantos de Lita Grey. Lita, ainda adolescente, conseguiu ser escolhida para protagonizar a primeira comédia de Chaplin para a United Artists, o longa-metragem Em Busca do Ouro (1925). Durante as filmagens, Lita demonstrou sintomas de gravidez, e o cineasta, que sabia que manter relações sexuais com uma menor era um delito, resolveu casar-se rapidamente com ela. Em junho de 1925, nasceu Charles Chaplin Jr. e, nove meses mais tarde, o segundo filho, Sidney Earle. Mas a relação entre o casal deteriorou-se e o divórcio foi anunciado em agosto de 1927. Nas suas memórias, Chaplin guarda um prudente silêncio sobre esse casamento, alegando que "como temos dois filhos que amo muito, não entrarei em detalhes".

Lita Grey


Os filhos do primeiro casamento:





Charlie's Jr. tocou em 'Limelight' como um dos palhaços com o pai. Em 1960, ele escreveu o livro sobre o pai intitulado 'Meu pai, Charlie Chaplin ". Charlie Jr. morreu em 20 de março de 1968.


Sydney Earle Chaplin atuou com seu pai em 'Luzes da Ribalta "no papel de Neville. Morreu em 03 de marçode 2009.


A única satisfação desse casamento infeliz foi a substituição da sua esposa por Geórgia Hale como protagonista de Em Busca do Ouro. Durante as filmagens, Chaplin conheceu a atriz Marion Davies, amante do magnata William Randolph Hearst e anfitriã de festas memoráveis na sua mansão de San Simeón. Um outro importante produtor que esteve em contato com Chaplin foi Josef Von Sernberg. Ele produziu um filme intitulado The Seagull, baseado em um relato do próprio Chaplin sobre os pescadores da costa californiana. Edna Purviance e Eve Sothern eram as protagonistas, mas o produtor ficou insatisfeito com o resultado, retirando o filme de circulação e destruindo-o antes de ter estreado.

Chaplin dirigia, depois, O Circo, mas a liberdade de que tinha gozo até então parecia estar com os dias contados. Em 1927, enquanto Chaplin recebia o cientista Albert Einstein na sua mansão e emprestava a sua quadra de tênis para o produtor soviético Serguei Eisenstein relaxar, o produtor Joseph M. Schenk assumiu a presidência da United Artists. O maior problema foi a aparição do cinema sonoro. A partir da estréia do filme O cantor de Jazz, em outubro de 1927, o cinema começou a incorporar o som. Chaplin começou as filmagens de Luzes da Cidade (192 e percebeu que o cinema mudo tinha seus dias contados.


Apesar disso, não admitia que o "Tramp" falasse e, depois de interromper as filmagens por algumas semanas, decidiu tomar partido por seu personagem e opor-se totalmente ao cinema sonoro. Em uma entrevista para a revista Motion Pictures Herald, declarou: "Detesto os talkies. Eles chegaram para destruir a arte mais antiga do mundo, a arte da mímica. Derrubam o edifício atual do cinema. A beleza plástica continua sendo a coisa mais importante do cinema.O cinema é uma arte pictórica". Ao contrário de Eisenstein, que conseguiu adaptar o som à sua revolucionária concepção de montagem, a partir do Manifesto do Contraponto Orquestral, de 1930, Chaplin foi ainda mais reacionário. Ao retomar as filmagens de As Luzes da Cidade, decidiu que o seu filme incorporaria uma partitura sonora que ele mesmo compôs, baseada na popular La violetera, mas vetou o uso da palavra. Só uma pessoa com tanto poder em Hollywood, como ele, poderia ter tomado uma decisão tão radical; alugou uma sala de exibiçãoem Nova Iorque com mais de mil lugares, onde exibiu o filme durante doze semanas.




A estréia de Luzes da Cidade em Londres foi o pretexto para uma outra viagem à Europa. Dentre as personalidades públicas, políticas e culturais com as quais entrou em contato, estavam Winston Churchill, Mahatma Gandhi, John Maynard Keynes, George Bernard Shaw, H. G. Wells, Aristide Briand, a condessa de Noailles, além de alguns membros da realeza. Chaplin era uma celebridade mundial e era também uma personalidade pública que nunca escondeu sua simpatia pelo socialismo e pela defesa das classes oprimidas. Somerset Maugham escreveu: "Tenho a impressão de que sente saudade dos subúrbios. (...) Acho que se lembra, com nostalgia, da liberdade da sua juventude difícil, com a pobreza e as amargas privações, e sabe que nunca estará satisfeito". O cineasta escreve na sua biografia: "Esta maneira de querer fazer com que a pobreza do próximo seja atraente é péssima. Eu ainda não conheci um pobre que sinta falta da pobreza ou que se sinta livre sendo pobre". Depois da crise de Wall Street, com o New Deal e com a efervescência dos movimentos fascistas europeus, a consciência de Chaplin intensificou-se: "Eu não sou patriota. Como se pode tolerar o patriotismo, quando seis milhões de judeus foram assassinados em seu nome?". O cineasta transferiu essas inquietações para os seus dois únicos longas-metragens feitos durante os anos trinta.


"O homem é um animal com instintos
primários de sobrevivência. Por isso,
seu engenho desenvolveu-se primeiro
e a alma depois, e o progresso da ciência
está bem mais adiantado que seu
comportamento ético."

Em 1932 Chales conheceu sua terceira esposa Chaplin, Paulette Goddard.
Chaplin começou a planejar um filme com Goddard, que seria lançado em 1936 como Tempos modernos. Chaplin e Goddard se casaram em uma viagem ao Japão e China em 1936, mas os documentos legais nunca foram tornados públicos durante a época de seu casamento. Eles fizeram dois filmes juntos "Tempos Modernos" e "O Grande Ditador”. Paulette se tornou uma querida madrasta de Charlie Jr. e Sydney. O casal se divorciou em junho de 1942.



Paulette Goddard

O primeiro filme, Tempos Modernos (1936), é uma sátira sobre a alienação dos operários no processo de produção em série. O protagonista continua sendo o "Tramp", que não diz nenhuma palavra durante todo o filme. O segundo filme é ainda mais radical: apesar de toda a prudência que Hollywood manteve com relação ao nazismo até 1938, Chaplin não duvidou em caricaturar Adolf Hitler. O Grande Ditador (1940), de Chaplin, e Confessions of a Nazi Spy (1939), de anatole Litvak, foram os dois primeiros filmes americanos a declararem guerra ao nazismo. Na Alemanha, nos países ocupados ou aliados o filme foi proibido, os países neutros tiveram que esperar um outro momento político para exibirem o filme. Nem todos os americanos se identificaram com o discurso pacifista que o protagonista divulga no final (confira aqui). Franklin D. Roosevelt recebeu Chaplin, pessoalmente, na Casa Branca, depois de ter solicitado uma projeção privada de O Grande Ditador, sendo seu único comentário bastante lacônico: "Sente-se, Charlie, o seu filme nos está dando muitas dores de cabeça".
Pelo simples fato de ter sido o diretor e intérprete do filme, Chaplin foi rotulado pelos movimentos anticomunistas que surgiram depois da Segunda Guerra Mundial. Rodar um filme antinazista e expressar argumentos humanitários em favor de uma nação aliada eram motivos suficientes para ser mal visto nos Estados Unidos, que, paradoxalmente, estavam em guerra com a Alemanha e ao lado da União Soviética.
Nessa época, Chaplin já tinha conhecido a sua quarta esposa. Era Oona O'Neil, filha do famoso dramaturgo Eugene O'Neil. Os dois se casaram em 1943, em uma pequena cidade da costa da Califórnia. . Oona tinha apenas 18 anos quando se casaram em 1943. O casal teve oito filhos e permaneceram junto até a morte de Chaplin.


Oona O'Neil

Os filhos com Oona O'Neil




Geraldine Chaplin


Michael John




Charlie Chaplin,sua esposa Oona e filhos Eugene Anthony>>, Jane, Victoria e Josephine Hannah


Annette Emiliy


Christopher James

Chaplin decidiu filmar Monsieur Verdoux (1947(, baseado em um biografia de Landru, um sádico assassino que matava mulheres depois de seduzi-las. Apesar da idéia de rodar esse filme ter sido de Orson Welles, o cineasta inglês decidiu realizar o projeto e fazer o primeiro filme em que o "Tramp" estaria excluído definitivamente. Monsieur Verdoux não apenas foi censurado pela Motion Picture Association, mas também por um amplo setor da imprensa e por algumas organizações de direita. O filme acabou sendo um verdadeiro fracasso. O círculo de intelectuais formado por Salka Viertel, Clifford Odets, Aldous Huxley, Hanns Eisler, Theodor Dreiser e Bertold Brecht fortaleceu a sua imagem antiamenricana. Nessas circunstâncias, o Comitê de Atividades Antiamericanas incluiu Chaplin numa primeira lista de "testemunhas hostis", tornando-se conhecidos como "os dez de Hollywood". Como Chaplin demorou a ser citado, decidiu antecipar-se e declarar por escrito: "Para a sua conveniência, direi o que eu acho que desejam saber. Não sou comunista e nunca fiz parte de nenhum partido ou organização política na minha vida. Sou o que vocês chamam de traficante da paz. Espero que não se sintam ofendidos por isso".


"Hannah, onde te encontres! Estás me ouvindo, levante os olhos! Vês, o sol vai rompendo as nuvens que se dispersaram! Estamos saindo da treva para a luz! Vamos encontrando um mundo novo - um mundo melhor, em que os homens estarão acima da cobiça, do ódio e da violência. A alma do homem ganhou asas e afinal começa a voar. Voa, voa para o arco-íris, para a luz da esperança. Ergue os olhos, Hannah! Onde quer que te encontres."




Apesar desse ambiente totalmente hostil, Chaplin ainda rodou outro filme nos Estados Unidos, Luzes da Ribalta (1952), um melodrama sobre um artista do music-hall que dedica seus últimos anos de vida a incentivar a carreira de uma jovem bailarina. Nesse filme, Chaplin trabalhou com Buster Keton, outro grande ator cômico da época.

Em setembro de 1952, Chaplin recebeu a visita de funcionários do Departamento de Imigração por causa da suspeita sobre a sua militância comunista, a falta de patriotismo que tinha impedido a sua nacionalização e a suspeita de adultério.Eram os últimos dias de Chaplin nos Estados Unidos. Com a desculpa de tirar umas férias, foi para Nova Iorque apresentar Luzes da Ribalta à imprensa e, junto com sua mulher e os quatro filhos do casal, embarcou para Londres, no Queen Elizabeth. Depois de dois dias de viagem, Chaplin recebeu um telegrama comunicando a abertura de uma nova investigação, solicitada pelo Fiscal Geral do Estado, na qual voltavam a aparecer as antigas acusações sobre suas atividades políticas e sua vida particular, o que significou a ruptura definitiva com o país onde tinha vivido durante quarenta anos. A estréia de Luzes da Ribalta (1952) em Londres, Paris e Roma fez com que Chaplin viajasse bastante pela Europa, instalando-se em uma mansão perto da cidade suíça de Vevey. Oona voltou aos Estados Unidos para resolver questões bancárias, pegar os negativos dos filmes de Chaplin e, de volta à Europa, no consulado americano de Lausanne, renunciou à sua cidadania. Chaplin também devolveu seu visto de regresso, alegando que "já estava velho demais para agüentar tantas bobagens". Mesmo assim continuou a encontrar-se com importantes políticos como Winston Churchill - que o censurou por não ter respondido à sua felicitação pela estréia de Luzes da Ribalta -, Kruschov, Nehru e Chu En-Lai, sem abandonar completamente a possibilidade de continuar trabalhando para o cinema.

Apesar de Chaplin ter escrito a sua autobiografia entre 1958 e 1964, não mencionou em nenhum momento o filme Um rei em Nova Iorque (1956). O filme, rodado em Londres, foi sua vingança definitiva por todas as humilhações passadas nos Estados Unidos.
Nove anos mais tarde, em 1965, Chaplin retomou um antigo roteiro que havia escrito para Paulette. A Condessa de Hong Kong foi protagonizado por Sofia Loren e Marlon Brando. Chaplin interpretou um pequeno papel de garçom e o filme teve uma péssima crítica na Europa.



Apesar disso, o cineasta ainda viveu o suficiente para receber vários prêmios.Em 1971, a Academia de Hollywood quis restaurar a sua reputação nos Estados Unidos com um Oscar especial "pela incalculável contribuição à arte do século: o cinema". Um ano mais tarde recebeu outro Oscar com um sabor especial, o de melhor trilha sonora pelo filme Luzes da Ribalta, que por não ter estreado em Los Angeles pôde ser candidato ao Oscar vinte anos depois. Nessa ocasião Chaplin decidiu voltar aos Estados Unidos e pisou um palco pela última vez, sendo aplaudido durante muitos minutos. Três anos mais tarde, a rainha da Inglaterra o nomeou cavaleiro do Império Britânico. Em 1977, na fria madrugada de 25 de dezembro, o cineasta deu seu último suspiro, aos oitenta e oito anos de idade.Morria o gênio de infância triste que, com os seus filmes, fez com que milhares de espectadores do mundo inteiro rissem e chorassem...



Funeral de Chaplin

Cronologia

1889 - Nasce no dia 16 de abril, às 20 horas, em East Walworth, Londres, filho dos artistas de variedades Hannah e Charles Chaplin.
1895 - Estréia no teatro, cantando Jack Jones . Participa da companhia The Eight Lancashire's Lads . O garoto treina para acrobata, mas uma queda faz com que desgoste do circo.
1896 - Hannah Chaplin é hospitalizada para tratar de uma depressão nervosa. Charles e seu irmão Sydney passam dois anos num orfanato.
1901 - Morre seu pai, vitimado de alcoolismo.
1900 a 1911 - Trabalha em diversas peças de teatro, como Peter Pan, Sherlock Holmes e O gato de botas . Vai para a companhia London Comedians, de Fred Karno, onde permanece até 1911. Viaja pela primeira vez aos EUA com a companhia de Karno.
1912/1913 - Em sua segunda viagem aos Estados Unidos, alcança grande sucesso. É contratado pela Keystone Comedy Film para trabalhar como ator de cinema pelo período de um ano, com o salário de 150 dólares semanais.
1914 - Cria o personagem Carlitos e faz diversos filmes. Entre eles: Carlitos repórter, Corrida de automóveis para meninos, Carlitos dançarino, Carlitos e Mabel assistem às corridas etc.
1915 - Assina um contrato semanal de 1250 dólares com a Essanay para todo o ano. Todos os seus filmes passam a ser escritos e dirigidos por ele mesmo. Alguns filmes desse ano: Carlitos se diverte, Campeão de Boxe, O vagabundo, Carlitos em apuros etc.
1916 - Assina com a Mutual um contrato de 670 mil dólares para a realização de 12 filmes durante um ano. Alguns títulos produzidos: Carlitos no armazém, Carlitos bombeiro, Carlitos patinador , dentre outros.
1918 - Assina contrato com a First National e inaugura o seu próprio estúdio em Hollywood. Casa-seem outubro com a atriz Mildred Harris.
1920 - Divorcia-se de Mildred Harris.
1921 - Estréia O garoto e A classe ociosa.
1922 - Hannah Chaplin se junta aos filhos nos EUA e se instala em Santa Mônica
1924 - Casa-se com Lolita Mac Murray, conhecida por Lita Gray.
1925 - Estréia de A corrida do ouro. Nasce o seu primeiro filho, Sydney Chaplin.
1927 - Divorcia-se de Lita Gray.
1931 - Estréia de Luzes da cidade.
1933 - Casa-se com Paulette Goddard.
1936 - Estréia de Tempos modernos.
1940 - Estréia de O grande ditador.
1941 - Divorcia-se de Paulette Goddard.
1943 - Casa-se com Oona O'Neill.
1947 - Estréia de Monsieur Verdoux.
1952 - Vai para a Europa. Estréia de Luzes da Ribalta.
1954 - Ganha o Prêmio Internacional da Paz.
1957 - Estréia do filme Um rei em Nova York
1962 - Recebe o título de doutor honoris causa pela Universidade de Oxford.
1966 - Realiza seu último filme: A condessa de Hong Kong.
1968 - Suicídio de seu filho Charles Chaplin Jr.
1972 - Recebe dos americanos o prêmio Oscar de Cinematografia.
1975 - Recebe o grau de Cavaleiro da rainha inglesa Elizabeth II .
1977 - Falece, aos 88 anos, no dia de natal.






O Pensamento Vivo de Charles Chaplin



"Mais do que máquinas, necessitamos de humanidade"




"A persistência é o caminho do sucesso."




"Acredito que o pecado é realmente um mistério tão grande quanto a virtude."



"Um dia sem sorrir é um dia desperdiçado."






“Se tivesse acreditado na minha brincadeira de dizer verdades teria ouvido verdades que teimo em dizer brincando, falei muitas vezes como um palhaço mas jamais duvidei da sinceridade da platéia que sorria.”





“Amo o público, mas não o admiro. Como indivíduos, sim. Mas, como multidão, não passa de um monstro sem cabeça.”




“O assunto mais importante do mundo pode ser simplificado até ao ponto em que todos possam apreciá-lo e compreendê-lo. Isso é – ou deveria ser – a mais elevada forma de arte.”




“Creio no riso e nas lágrimas como antídotos contra o ódio e o terror.”




“O amor perfeito é a mais bela das frustrações, pois está acima do que se pode exprimir.”




“O humorismo alivia-nos das vicissitudes da vida, ativando o nosso senso de proporção e revelando-nos que a seriedade exagerada tende ao absurdo.”





“A única coisa tão inevitavel quanto a morte é a vida.”





“Não preciso me drogar para ser um gênio;


Não preciso ser um gênio para ser humano;


Mas preciso do seu sorriso para ser feliz.”







Cerca de 400 frases: http://www.frasesfamosas.com.br/de/charles-chaplin.html

Filme sobre a vida dele: "Chaplin" de 1992, com o ator Robert Downey Jr no papel principal






Poema de Carlos Drummond de Andrade para Chaplin


Canto ao Homem do Povo - Charles Chaplin

http://www.casadobruxo.com.br/


Site official: http://www.charliechaplin.com/



Fontes:
Wikipedia
http://chaplinalife.com/blog/2009/07/07/lost-childhoods-charlie-chaplin-michael-jackson/

http://www.neohide.com/michael-jackson-charlie-chaplin

http://www.casadobruxo.com.br/ilustres/chaplin.htm

http://charleschaplin.com.br/

http://g1.globo.com/platb/aovivo/2009/12/31/post-charles-chaplin-e-michael-jackson-fazem-sucesso-na-praia/

Fred Astaire, o Lendário Dançarino





1979 - Michael e Fred

"Oh, Deus! Este menino se move de uma forma excepcional. Este é o maior bailarino do século. Eu não queria deixar este mundo sem saber quem era meu sucessor. Obrigado Michael! " (Fred Astaire)





Em 1988, Michael dedicou a ele sua autobiografia, "Moonwalk". Em 2001, numa entrevista, ele reafirmou sua admiração por este lendário bailarino:

"Eu sempre fui louco por... quero dizer, eu poderia estar dormindo, em Indiana, quando eu tinha uns 5 anos, eu poderia estar dormindo e ser tarde da noite, como 1h da manhã, algum show acontecendo, eu me lembro de ver minha mãe correr para o meu quarto (...) "Fred Astaire! Eles estão passando um bom filme de Fred Astaire". E eu me sentava lá apenas olhando... Eu ficava tomado de admiração, apenas assistindo. Assim, quando os vídeos saíram, eu tinha uma coleção." [risos]



Michael também teve a felicidade de conhecer Fred Astaire, sua outra fonte de inspiração. Depois da inesquecível apresentação do passo "Moonwalk" na música "Billie Jean" gravado em 25 de março de 1983 e televisionado em 16 de maio do mesmo ano, Astaire foi uma das celebridades que telefonaram para Michael para cumprimentá-lo. Astaire ligou para Hermes Pan - coreógrafo ganhador de Óscars e colaborador de Fred Astaire e Ginger Rogers, aos quais ensinou seus mais memoráveis passos de dança - para que fosse visitá-lo o mais rápido possível.
Assim que Hermes chegou, Astaire colocou o vídeo da apresentação de Michael para que ele assistisse e disse:

"Espere só até você ver isso!".
Os dois assistiram a grande performance e Fred Astaire, que não tinha por hábito fazer elogios fáceis a outros dançarinos, mostrou-se extasiado com a performance de Michael.
Astaire elogiou Michael dizendo que ele havia se tornado um dançarino fantástico. Disse para Michael:
"Você sabe se mexer e fez com que todas aquelas pessoas se balançassem nas cadeiras. Você é um dançarino irado e eu sou assim também".
Astaire disse que, ao ouvir a voz de Michael no telefone, ficou surpreso pelo fato de alguém que dança com tanta raiva, ter também uma voz tão suave. Disse a Michael o quanto gostava de seu trabalho.
Astaire disse que, na conversa que tiveram, notou o quanto Michael era educado e o quanto ficou empolgado com o fato de ter recebido aquele elogioso telefonema .
Astaire ainda disse:
"Gostei dele imediatamente porque parecia imune às badalações do show business, ao estrelismo".
De fato, Michael não estava acreditando que Fred Astaire havia lhe telefonado. Michael disse depois, que os elogios que Astaire havia lhe dirigido foram os mais significativos para ele.
Em 1988, Michael demonstrou sua gratidão a Fred Astaire, dedicando-lhe sua autobiografia "Moonwalk". Michael também disse que havia visto Fred umas duas vezes.
Outras observações de Fred Astaire sobre Michael:
"Meu Deus! Aquele garoto tem um movimento excepcional. É o maior bailarino do século"
"Eu não queria deixar este mundo sem saber quem era o meu descendente. Obrigado Michael!"- Fred Astaire (pouco antes de sua morte)

Assistindo ao vídeo de "Smoth Criminal" percebe-se claramente a inspiração de Michael em seu ídolo.



Frederic Austerlitz Jr. nasceu em Omaha em 10 de maio de 1899, filho de um cervejeiro austríaco radicado nos Estados Unidos e de uma americana de ascendência alemã. Começou sua carreira artística aos cinco anos de idade nos palcos de vaudeville ao lado de sua irmã mais velha, Adele.




Estudioso de dança e sempre buscando novos passos e ritmos, aos 17 anos conheceu o compositor George Gershwin e a amizade dos dois teria um impacto profundo na carreira de ambos. Durante os anos 1920 e começo dos anos 1930, Astaire e Adele se apresentaram na Broadway e em palcos londrinos justamente em musicais compostos por Gershwin, entre eles Lady Be Good (1924), Funny Face (1927), e A Roda da Fortuna (1931). Quando Adele se casou em 1932, a dupla se separou de vez.

Reza a lenda que no seu primeiro teste para o cinema ele foi avaliado da seguinte maneira: "não sabe interpretar, é ligeiramente calvo e sabe dançar". Muitos anos mais tarde, a única pessoa da época que podia rivalizar com seu talento, Gene Kelly, declarou: "A dança em filmes começou com Fred Astaire".

Antes de Fred Astaire estrear no cinema, os dançarinos apareciam nos filmes apenas "em partes": os pés, as cabeças e os torsos eram compostos na sala de edição. Astaire, por sua vez, exigia ser filmado de corpo inteiro. Para isso eram necessários longos ensaios - certa vez chegou a três meses com dez horas diárias de trabalho, com repetições feitas passo a passo e movimentos de câmara acompanhando a coreografia. Em seus filmes, Astaire conseguiu dar nova emoção a dança, fosse ela banal ou repleta de tragicidade. Sua interpretação enriquecia-se pelo que James Cagney chamava de "o toque do vaga.bundo". Sempre trajado a rigor, seu charme tornou-se lendário.

Sua estréia em cinema foi em 1915, e em 1933 apareceu ao lado de Joan Crawford em Dancing Lady. Nesse mesmo ano, atuou no primeiro filme ao lado de Ginger Rogers. Apesar de não simpatizarem muito um com o outro (ele estava acostumado a dançar com a irmã e relutava em ter uma nova parceira. Ela se irritava com seu perfeccionismo e chegou a afirmar, "Faço tudo o que ele faz, só que para trás e de salto alto!"), os dois fizeram dez filmes juntos, tornando-se sinônimo de boa bilheteria para o estúdio. Katherine Hepburn explicou o sucesso da dupla: "Ele tem classe. Ela tem sensualidade".





Mesmo no começo de carreira, Astaire tinha liberdade total para desenvolver suas coreografias e, num feito quase inédito na época, recebia uma porcentagem da bilheteria. Inovou a maneira de se filmar cenas musicais exigindo que a câmera ficasse parada ("ou os dançarinos giram ou a câmera", dizia ele) e também fazendo a música e a dança casar com o enredo do filme. Não por acaso, Hollywood lhe conferiu um Oscar especial em 1949, por sua contribuição à técnica dos musicais no cinema.

Em 1933, Astaire casou-se com Phyllis Potter, que morreu em 1954, com quem teve dois filhos, Fred e Ava. Fora dos estúdios não gostava de dançar e dizia que as danças de salão o entediavam. Grande fã de corrida de cavalos, voltou a se casar em 1980 com a jóquei Robbin Smith, 35 anos mais nova que ele.

Em 1959, Astaire se aposentou dos filmes musicais e fez sua primeira aparição em um drama no filme A Hora Final. Acabou indo dançar na televisão e seu programa An Evening with Fred Astaire, ganhou nove prêmios Emmy só na temporada de estréia. Continuou a atuar mesmo na terceira idade e fez pontas em Inferno na Torre, de 1974 (recebendo uma indicação ao Oscar por seu papel), Era Uma Vez em Hollywood, um documentário sobre os anos clássicos da dança no cinema, e no cult trash Os Incríveis Dobbermans, de 1976. Sua última aparição foi em Histórias de Fantasmas ao lado de dois outros grandes monstros do cinema antigo, Melvyn Douglas e Douglas Fairbanks Jr.

Fred Astaire morreu de pneumonia em junho de 1987. Pontuou suas rotinas de dança com graça, elegância, leveza e originalidade. Perfeccionista ao extremo, exigia muitos ensaios e inúmeras refilmagens de cena, tanto que no filme Imagine, de John Lennon, fez uma aparição-surpresa que consistia simplesmente em conduzir Yoko Ono para dentro de um prédio, mas Astaire quis fazê-la duas vezes para ficar bom. Deixou como legado sua dança e o indefectível fraque, sempre acompanhado de uma cartola. Um estilo que dificilmente aparecerá de novo.

O arquiteto americano Frank O. Gehry projetou um edifício em Praga, República Tcheca, em homenagem ao casal Fred & Ginger. O edifício, que toma a forma do casal e parece mostrá-los em plena dança, também é chamado de Casa Dançante.





Fonte: Wikipedia/Terra/Michael Jackson Genius

Anaaaaaaaaaaaaaaaa
amei realmente Chapplin me emociona demais aff akela musica smille era a q eu mais ouvvia nos meses de junho de 2009...e me acabava em chorar...
amei de coração..E que familia linda a dele que coração mais humano...

Fred Astere tbm divino dançarino...nunca eskeço de quando Michael diz que foi visitá-lo e ele estava ja mais velho e nao conseguia dançar q estava ficando atrofiado aff q tristeza para um dançarino como ele genial...

Michael tao inteligente e sensivel q és sempre amou os melhores...

continuando...

Michael Jackson foi um dos maiores fãs da Walt Disney World

“Eu sou um visionário e uma pessoa criativa. Deus me abençoou com certos talentos. Eu odeio usar uma analogia, mas Walt Disney foi criativo, mas não bom com seus negócios. Seu irmão Roy manipulou os livros. Ele amava a criação de entretenimento familiar e eu também sinto que foi um presente e também tenho esse dom. Estou muito honrado por ter sido escolhido.”
Michael Jackson






Michael Jackson gostava de gastar seu tempo no Walt Disney World Resort na Flórida Central. Ele foi um visitante regular e tinha uma suíte no Hotel Royal Plaza Hotel em Lake Buena Vista. Jackson adorava os parques e passou muito tempo lá em meados dos anos 80.
Jackson passou muito tempo longe da realidade, no mundo onde os sonhos são realidade. Ele escapava de sua vida do dia-a-dia no mundo da fantasia. Sua suíte de quatro quartos no Plaza Hotel Royal tinha luzes piscando no teto, uma estante de troféus (segurada em US $ 1 milhão), coleções de Marilyn Monroe e um excelente aparelho de som a layser. Ele queria o melhor sistema de som em seu quarto e as luzes piscando ao ritmo da música.
Jim Abbott, Sentinel crítico musical, foi um membro do elenco no Walt Disney World durante muitas das visitas de Jackson ao "Lugar Mais Feliz na Terra." Em um artigo, ele afirma que uma vez viu Jackson no prédio de Serviços do Epcot. Ele disse que Jackson estava passeando olhando as maquetes das principais atrações do parque. Havia uma pequena multidão de membros do elenco, mas Abbott lembrou que ninguém o perturbou. Jackson, em seguida, acenou para a pequena platéia e, em seguida, entrou em sua limusine e foi embora.

Repórter relembra o amor de Michael Jackson pela Disney
Por Bob Thomas

LOS ANGELES - "Olá, Bob, aqui é Michael."
Eu estava bloqueado até que a voz perguntou: "Você escreveu um livro sobre Walt Disney?"
Admiti que tinha escrito "Walt Disney, um original americano". Eu também reconheci a voz - Michael Jackson – e lembrei que ele tinha uma paixão por todas as coisas da Disney.
"Eu gostaria de falar com você sobre Walt", disse ele depressa, e eu concordei. A data foi marcada para a noite seguinte em sua casa, na comunidade do vale de San Fernando de Encino, que ficava a poucos quarteirões da minha casa.
Cheguei na propriedade e fui anunciado por uma recepcionista do outro lado do interfone. Uma porta maciça se abriu lentamente e eu me dirigi até uma passagem estreita e parei em frente a uma construção. Olhei em volta e pensei que havia visto uma árvore alta nas proximidades. Olhei de novo, era uma girafa em tamanho natural.
Um assistente disse que Jackson estaria pronto em breve, e eu passei 20 minutos inspecionando uma parede cheia de fotografias de Jackson com Frank Sinatra, Ronald Reagan, Elizabeth Taylor, Elvis Presley e outras celebridades.
Finalmente, Michael estava pronto. Fui apresentado a ele em uma sala de jantar elaborada e, em seguida, seguimos para a biblioteca, que tinha um retrato em tamanho natural de Walt Disney. "Você se importa se eu gravar nossa conversa?" ele perguntou.
"Não se você não usá-lo comercialmente," eu respondi.
Ele começou fazendo algumas perguntas e eu expliquei como eu fiz uma entrevista com o Walt Disney.
Perto do final da conversa, Michael perguntou hesitante se Walt já havia usado um certo palavrão. Sem pensar, eu respondi que eu nunca tinha ouvido ele pronunciá-lo.
A entrevista havia terminado e Michael me acompanhou para as fotografias que eu tinha visto.

Encontro com a enfermeira de Disney

Ele estava ocupado em meados da década de 1980 e eu não esperava vê-lo novamente. No entanto, poucos meses depois ele ligou. "Olá Bob, aqui é Michael", disse ele. "Você acha que Hazel George ainda está viva?"
Eu disse que não sabia, mas iria descobrir. George foi enfermeira de muito tempo de Disney, e conversava muito com ele. Descobri que Hazel estava aposentada,e vivia muito perto da Disney, em Burbank.
"Eu adoraria conversar com ela", disse Jackson. "Você pode arranjar isso?"
Eu consegui, e alguns dias depois, Jackson me pegou na minha casa em sua limusine com motorista.
Hazel tinha envelhecido desde que eu a entrevistei para a biografia. Eu tinha gravado as histórias que ela me contou uma vez e tinha trazido as fitas junto.
Jackson estava fascinado, mas pouco disse uma palavra. Quando terminamos, Hazel disse a Jackson, "Volte para me ver e o traga novamente. Ela disse.
Alguns meses se passaram e, em seguida, outra ligação: "Olá Bob, aqui é Michael."
Ele queria saber mais sobre Walt Disney e queria que eu fosse com ele a um estúdio de gravação em San Fernando Valley. Cheguei a tempo e esperei uma hora até que ele terminou uma gravação. Sentamos em um escritório e ele novamente fez perguntas sobre Walt, a maioria das quais ele tinha feito no nosso primeiro encontro.
Ele perguntou novamente se o Walt nunca tinha usado um palavrão. Desta vez lembrei-me que ele tinha usado em pelo menos uma ocasião, e continuei a explicando o fato bem-humorado.
"Oh," ele disse.
Depois disso, eu nunca mais vi Michael.

Walt Disney





Walter Elias Disney (Chicago, 5 de dezembro de 1901 — Los Angeles, 15 de dezembro de 1966) foi um produtor cinematográfico, cineasta, diretor, roteirista, dublador, animador, empreendedor, filantropo e co-fundador da The Walt Disney Company. Tornou-se conhecido, nas décadas de 1920 e 1930, por seus personagens de desenho animado, como Mickey e Pato Donald. Ele também foi o criador do parque temático sediado nos Estados Unidos chamado Disneylândia, além de ser o fundador da corporação de entretenimento, conhecida como a Walt Disney Company.
O lema de Disney sempre foi "Keep moving forward" (português - "Continue seguindo em frente").
Biografia

Walt Disney nasceu no dia 5 de dezembro de 1901, em Chicago, nos Estados Unidos. Passou a maior parte de sua infância numa fazenda em Marceline, no Missouri. Foi um período muito difícil para o menino, devido aos castigos impostos pelo pai, Elias Disney (1859-1941), homem bastante severo. Depois de descobrir que não tinha uma certidão de nascimento, alimentou a idéia de que era filho adotivo. Esse fato iria influenciar algumas de suas atitudes posteriormente.
Aos 16 anos, começou a estudar arte. Como não havia atingido a maioridade, foi-lhe recusada permissão quando procurou alistar-se no Exército durante a Primeira Guerra Mundial. Conjuntamente com um amigo, decidiu então juntar-se à Cruz Vermelha. Pouco tempo depois, foi enviado para França, onde passou um ano a dirigir ambulâncias da Cruz Vermelha.
De volta aos Estados Unidos, matriculou-se na "Kansas City Arts School". Foi iniciado na Ordem DeMolay, a qual freqüentou por muitos anos.
Em seguida, trabalhou em algumas agências publicitárias. A seguir, entrou para uma companhia cinematográfica, na qual ajudava a fazer os cartazes de propaganda dos filmes.
Walt Disney também pertenceu ao Movimento Escoteiro.
Carreira
Com o irmão Roy e o amigo Ub Iwerks, criou a pequena produtora "Laugh-O-Gram", que animava contos de fadas. Esses desenhos animados eram exibidos no cinema local antes dos filmes. Em 1923, mudaram-se para Hollywood, em Los Angeles. Em Hollywood, Walt Disney contatou a distribuidora de filmes M. J. Wrinkler, dizendo que o seu estúdio de animação tinha diversos filmes para vender. Wrinklers não só aceita a oferta como também aceita pagar 1500 dólares por cada filme.
Depois de angariar dinheiro, adquirir material, contratar pessoal e arranjar pessoal, Walt começa a fazer planos: Alice, uma série em que uma moça convivia com personagens de cenário animado. Foi durante este tempo de imenso trabalho em que Walt conheceu sua futura esposa, Lilian Bonds. Depois de Alice, veio Oswald, o coelho sortudo, um grande sucesso que levou à reavaliação dos valores dos contratos quanto aos preços dos filmes. Foi para Nova Iorque, onde foi apanhado de surpresa. O patrão para quem Walt desenhou Alice e Oswald, roubou-lhe os personagens, a equipe de desenhistas e as encomendas, porque as mesmas não foram assinadas em seu nome. Walt enviou um telegrama ao irmão dizendo que tudo estava certo e para não se preocupar, pois ele já tinha em mente uma personagem espetacular: Mickey
Para superar a fase difícil e contornar os prejuízos, Ub Iwerks criou para Walt Disney Mickey Mouse em 1928 para competir com o sucesso do Gato Félix. O camundongo, desenhado a partir de uma série de círculos, provou ser ideal para o desenho animado e se tornaria o personagem de maior sucesso dos estúdios Disney. Nessa época, a produtora passou a ser mais bem organizada: Roy cuidava da parte financeira, Walt produzia e dirigia, e Iwerks desenhava.
Em 1927, já se havia inventado o filme sonoro. Poucos anos depois, inventou-se o filme colorido. Disney e seus assistentes utilizaram as novas técnicas com muita imaginação.
O primeiro desenho foi Plane Crazy, de 1928, no qual o personagem contracenava com sua namorada Minnie Mouse. O primeiro desenho com som foi Steamboat Willie, também de 1928. As primeiras palavras do camundongo foram Hot dogs, hot dogs, numa canção do episódio The Karnival Kid, de 1929. Surgiram, em seguida, mais personagens para contracenar com Mickey: Pato Donald, Pateta e Pluto.
De 1929 a 1939, Disney produziu uma série de desenhos chamada "Silly Symphonies"(Sinfonias Tolas), a primeira colorida. Mickey estrelava esses filmes ao lado dos novos personagens. O desenho "Flowers and Trees", dessa série, recebeu o primeiro Oscar para um desenho animado. Infelizmente, Pot Powers, um dos maiores sócios de Walt, manipulou o valor dos bilhetes para enriquecer. A jovem empresa Disney prosseguiu, um pouco empobrecida, mas Walt tinha uma carta na mão: o primeiro longa-metragem sonoro e em cores.




Walt Disney em uma cena do trailer de 1937 do filme da Branca de Neve, apresentando os Sete Anões, atraves de modelos dos personagens.

Walt Disney pretendia fazer um longa-metragem da clássica história Branca de Neve. Houve protestos por parte da equipe, mas o filme foi feito. Após três anos de produção, desenho e músicas, o filme estreou.
Branca de Neve e os Sete Anões gerou fundos necessários para a construção de um novo estúdio e foram criados novos longas-metragens: Pinóquio, Fantasia e Bambi. Infelizmente, os tempos de lucro não duraram muito, devido ao início da Segunda Guerra Mundial em 1939.
Durante o período da Segunda Guerra Mundial, Walt Disney passou a colaborar com o FBI, a polícia federal estadunidense.
Com a entrada dos Estados Unidos na guerra, Disney foi convidado pelas Forças Armadas para produzir desenhos animados de treinamento para os soldados. Em seguida, começou a fazer filmes de propaganda militar, nos quais utilizava principalmente seus personagens mais conhecidos.
Algum tempo depois, ajudou a criar a "Aliança do Cinema para a Preservação dos Ideais Estadunidenses", com o objetivo de combater o comunismo no meio artístico. Walt Disney prestou voluntariamente diversos depoimentos na "Comissão das Atividades Antiamericanas".
Devido às suas atividades contra o comunismo, em 1949 o governo soviético proibiu a exibição de filmes dos estúdios Disney no país.




Walt Disney e Wernher von Braun, que trabalhou nos Estúdios Disney na década de 1950 como diretor técnico, realizando três filmes para televisão sobre a exploração espacial.

Depois da guerra, Walt Disney estava com sua empresa arruinada. Walt tinha duas opções: ou fazia um filme ou vendia a empresa. Decidiu, assim, fazer o filme Cinderela. O filme foi um sucesso e gerou riqueza para que a empresa continuasse.
Mas Walt Disney não trabalhou apenas com desenhos animados. Seu primeiro longa-metragem com atores foi "A Ilha do Tesouro" (1950). O primeiro sobre a natureza foi "O Drama do Deserto" (1953). Em 1954, fez "20.000 Léguas Submarinas", baseado na obra do escritor francês Júlio Verne.
Dez anos depois, produziu "Mary Poppins", uma mistura de desenho animado com personagens humanos. O filme concorreu ao Oscar em 14 categorias, levando cinco prêmios, incluindo o de melhor atriz, para Julie Andrews, e o de melhor canção, por "Chim Chim Cher-ee". Disney produziu também diversos filmes para televisão, sendo ele próprio o apresentador do seu programa.
Disney obteve um de seus maiores êxitos em 1955 ao inaugurar a Disneylândia, um superparque de diversões situado em Anaheim, na Califórnia. O parque foi construído graças a uma parceria com a rede de televisão ABC.
Existe ainda um outro parque semelhante, chamado Walt Disney World, perto de Orlando, na Flórida, que foi inaugurado em 1971, após a morte de Disney. Quase todos os brinquedos, desfiles e espetáculos desses dois parques baseiam-se nos personagens dos filmes de Disney.
O cineasta, porém, não viveu para ver as atrações da Disneyworld, como o Epcot, o Magic Kingdom, os estúdios MGM (atual "Hollywood Studios") e o Disney Animal Kingdom, além dos parques aquáticos. Walt Disney faleceu no dia 15 de dezembro de 1966, aos 65 anos, em Los Angeles, na Califórnia, vítima de câncer.
Com a ajuda de Lillian Bounds e das filhas Diane Marie e Sharon Mae, seu irmão Roy continuou comandando os negócios por mais algum tempo, vindo a falecer um mês após o término da construção do "Magic Kingdom" e a correspondente inauguração do "Walt Disney World".
Após a morte de Roy longos períodos de turbulência na administração da Companhia se seguiram, só alcançando novamente a estabilidade na década de 1980 sob a direção da dupla Eisner-Wells. Infelizmente, Wells veio a falecer num trágico acidente, fazendo com que Michael Eisner controlasse a empresa por longos anos, até que devido a vários desgastes, inclusive decorrentes de atritos com Roy E. Disney, sobrinho de Walt, Eisner entregasse em 30 de setembro de 2006 o cargo de CEO para o então presidente da Disney, Robert (Bob) Iger.
Bob iniciou um novo ciclo de expansão da companhia, cujo marco inicial foi a compra dos estúdios Pixar, o que fez com que Steve Jobs, CEO da Apple e dono da Pixar se tornasse o maior acionista pessoa física da Walt Disney Company.
Em 2001, ano do centenário de nascimento de Disney, o desenho animado "Branca de Neve e os Sete Anões" foi relançado em vídeo e DVD com várias novidades, como um "making of" do desenho, um videoclipe da canção Some Day My Prince Will Come, cantada por Barbara Streisand, e um jogo. Nos Estados Unidos, particularmente na Disneyworld e em Hollywood, diversos eventos foram programados para comemorar o centenário.
Para além de estúdios cinematográficos, o vasto império criado por Walt Disney inclui diversos parques temáticos ("Disneylândia", "Disneyland Paris", "Disney Japan" etc.), inúmeros canais de televisão e elevados rendimentos originados na venda direta de filmes e livros, e nos direitos de utilização por outras entidades das imagens dos personagens.
Walt Disney transformou-se numa lenda, tendo criado, com a ajuda da sua equipe, todo um universo de referências no imaginário infantil de sucessivas gerações. Além disso, Walt Disney é a pessoa que mais prêmios Oscar ganhou em todos os tempos.





Fonte: wikipedia / examiner / today

Michael Jackson se via como David de Michelangelo

"Eu sei que o criador vai. Mas sua obra sobrevive. É por isso que para
escapar da morte tento vincular minha alma ao meu trabalho."-Miguel
Ângelo, citado por Michael Jackson em uma entrevista de 2007 com Ebony




O cantor tinha um quadro em que aparece cercado de anjinhos.

Se Michael Jackson fosse uma obra de arte, seria David de Michelangelo.
Essa era a maneira que o astro pop se via: um herói branco e musculoso.



No quadro, pintado por David Nordahl em 1999, a pedido do cantor, Michael
aparece nu, cercado de anjinhos que lhe oferecem flores.










American Jesus Hold me, carry me

Quadro de David LaChapelle inspirado em A. Pieta de Michelangelo





Outros quadros de Michael inspirados em Michelangelo







Bibliografia


Fac-símile da certidão de batismo de Michelangelo. O original se encontra na Casa Buonarroti, em Florença.

Michelangelo di Lodovico Buonarroti Simoni (Caprese, 6 de Março de 1475 —
Roma, 18 de Fevereiro de 1564), mais conhecido simplesmente como Miguel
Ângelo (português europeu) ou Michelangelo (português brasileiro), foi um
pintor, escultor, poeta e arquiteto italiano, considerado um dos maiores
criadores da história da arte do ocidente.


Retrato de Michelangelo, de 1564, executado por Daniele da Volterra a partir de sua máscara mortuária.

Ele desenvolveu o seu trabalho artístico por mais de setenta anos entre
Florença e Roma, onde viveram seus grandes mecenas, a família Medici de
Florença, e vários papas romanos. Iniciou-se como aprendiz dos irmãos
Davide e Domenico Ghirlandaio em Florença. Tendo seu talento logo
reconhecido, tornou-se um protegido dos Medici, para quem realizou várias
obras. Depois fixou-se em Roma, onde deixou a maior parte de suas obras
mais representativas. Sua carreira se desenvolveu na transição do
Renascimento para o Maneirismo, e seu estilo sintetizou influências da
arte da Antiguidade clássica, do primeiro Renascimento, dos ideais do
Humanismo e do Neoplatonismo, centrado na representação da figura humana e
em especial no nu masculino, que retratou com enorme pujança. Várias de
suas criações estão entre as mais célebres da arte do ocidente,
destacando-se na escultura o Baco, a Pietà, o David, as duas tumbas Medici
e o Moisés; na pintura o vasto ciclo do teto da Capela Sistina e o Juízo
Final no mesmo local, e dois afrescos na Capela Paulina; serviu como
arquiteto da Basílica de São Pedro implementando grandes reformas em sua
estrutura e desenhando a cúpula, remodelou a praça do Capitólio romano e
projetou diversos edifícios, e escreveu grande número de poesias.

Ainda em vida foi considerado o maior artista de seu tempo; chamavam-no de
o Divino, e ao longo dos séculos, até os dias de hoje, vem sendo tido na
mais alta conta, parte do reduzido grupo dos artistas de fama universal,
de fato como um dos maiores que já viveram e como o protótipo do gênio.
Michelangelo foi um dos primeiros artistas ocidentais a ter sua biografia
publicada ainda em vida. Sua fama era tamanha que, como nenhum artista
anterior ou contemporâneo seu, sobrevivem registros numerosos sobre sua
carreira e personalidade, e objetos que ele usara ou simples esboços para
suas obras eram guardados como relíquias por uma legião de admiradores.
Para a posteridade Michelangelo permanece como um dos poucos artistas que
foram capazes de expressar a experiência do belo, do trágico e do sublime
numa dimensão cósmica e universal.

Primeiros anos


Atribuída a Michelangelo: Santo Antônio atormentado por demônios, c. 1487-1488. Museu de Arte Kimbell.

Michelangelo foi o segundo filho de Lodovico di Lionardo Buonarroti Simoni
e Francesca di Neri Buonarroti. Em sua certidão de batismo seu nome consta
de duas formas, Michelagnelo e Michelagnolo Buonaroti; aparece na
biografia de Vasari como Michelagnolo Bonarroti e na de Condivi como
Michelagnolo Buonarroti; quando jovem assinava como
Michelagniolo. Essas primeiras biografias foram escritas quando ele
ainda vivia e sua fama estava no auge, e seus admiradores não contentes em
estabelecer uma alta estirpe para sua família - cuja genealogia aparece
hoje como duvidosa -, trataram de engrandecer eventos relacionados ao seu
nascimento e infância, supostamente proféticos de sua futura glória. Por
exemplo, dizia-se que sua mãe caíra de um cavalo enquanto o carregava nos
braços mas teriam saído ilesos do acidente; ainda bebê, dormindo no mesmo
berço de um irmão, este contraiu grave doença contagiosa, da qual faleceu,
mas Michelangelo milagrosamente não foi contaminado. Também diziam que seu
mapa astral preconizava um futuro brilhante, por causa de uma conjunção de
Vênus, Marte e Júpiter no Ascendente. Condivi disse que sua família era
antiga e pertencia à nobreza, o que era aceito como um fato na época em
que viveu. Seria descendente dos condes de Canossa, da região de Reggio
Emilia, tendo entre seus ancestrais a célebre Matilde de Canossa, e
ligados pelo sangue a imperadores. Um membro da família, Simone da
Canossa, teria se radicado em Florença em 1250 e sido feito cidadão da
República, encarregado da administração de uma das seis divisões
florentinas. Ali mais tarde mudara seu sobrenome de Canossa para
Buonarroti, em função do prestígio que vários indivíduos da família
chamados Buonarroto adquiriram como magistrados, passando este ramo da
Casa de Canossa a ser conhecido como Casa de' Buonarroti Simoni.


Lodovico na época do nascimento de Michelangelo era administrador das
vilas de Caprese e Castello di Chiusi, subordinadas a Florença. Um mês
depois, contudo, expirando o seu mandato, a família se transferiu
definitivamente para Florença, mas o bebê, como era um hábito, foi
entregue a uma ama para ser criado em Settignano, outra vila florentina,
numa propriedade familiar. Com três anos voltou a viver na casa paterna, e
com seis perdeu a mãe. Teve como irmãos Lionardo, o primogênito, e mais
Buonarroto, Giovansimone e Gismondo. O pai, mesmo possuindo algum
prestígio, não era rico. Sua família era numerosa e suas rendas, baseadas
principalmente na propriedade rural em Settignano, eram insuficientes para
manter um elevado padrão de vida. O salário que recebia da República era
baixo, 500 liras a cada seis meses, e ficava obrigado a pagar com ele mais
dois notários, três servos e um cavalariço. A antiga fortuna da família,
adquirida no comércio e no câmbio, começara a se dissipar com seu próprio
pai, que teve de prover dotes para suas filhas, pagar dívidas vultosas e
não obteve cargos lucrativos, e a situação piorou na geração seguinte, a
ponto de estarem perto de perder seu patriciado e decair para a plebe.

Reconhecendo que Michelangelo era especialmente dotado, assim que atingiu
a idade adequada Lodovico o enviou para ser educado por Francesco da
Urbino, esperando que seguisse uma carreira prestigiada. Para a sua
frustração, o filho fez pouco progresso na gramática, no latim e na
matemática, e roubava tempo dos estudos para procurar a companhia de
artistas e desenhar. Tornou-se amigo de Francesco Granacci, discípulo de
Domenico Ghirlandaio, que o incentivou nas artes e o levava para
frequentar o atelier de seu mestre, com o resultado de ele abandonar o
interesse pela instrução regular, e por isso receber repetidas punições de
seu pai e irmãos, para quem a carreira artística era indigna da nobreza de
sua linhagem. Mesmo assim, conseguiu finalmente vencer a oposição paterna
e ser admitido como discípulo de pintura dos irmãos Davide e Domenico
Ghirlandaio, através de um contrato com duração estipulada de três anos,
assinado em 1 de abril de 1489, ganhando um salário de 24 florins de ouro,
o que não era uma prática costumeira naquele tempo. Disse Condivi que a
primeira obra acabada de Michelangelo foi a pintura Santo Antônio
atormentado por demônios a partir de uma gravura de Martin Schongauer, tão
bem feita que teria suscitado a inveja de Domenico. As relações entre
ambos já deviam estar tensas, pois Michelangelo tinha o hábito de
jactar-se como superior a Domenico e certa vez ousara corrigir os seus
desenhos, humilhando-o, o que não foi pouca coisa, dado que era um dos
pintores mais importantes de Florença então, e a insolência deve ter
repercutido fundo no espírito do mestre. Outra peça que produziu na época,
uma cópia de uma cabeça antiga, teria resultado tão bem que o proprietário
do original, recebendo em vez a cópia, não conseguiu perceber a troca.
Somente pela indiscrição de um companheiro de Michelangelo a artimanha foi
descoberta, e comparando-se ambos os trabalhos, o talento de Michelangelo
se tornou reconhecido.

Mas é provável que esses relatos tenham sido muito magnificados - Vasari
em sua segunda versão de sua biografia disse que a obra de Condivi tinha
muitas inverdades -, pois considerando o reduzido tempo que permaneceu
ali, e sabendo-se hoje dos rigorosos hábitos disciplinares do aprendizado
artístico da época, que iniciava com as tarefas mais humildes, ele
dificilmente teria tido condições de desenvolver uma técnica capaz de
produzir obras de qualidade tão alta como é declarado. Ainda seria apenas
um serviçal, como todos os principiantes, mantendo os materiais e
ferramentas dos mestres e dos discípulos mais graduados em ordem e em
condições de uso, limpando o espaço, e ficando à disposição dos mestres
para atender quaisquer outras demandas para o bom funcionamento da
oficina. No pouco tempo que lhes restava era-lhes permitido exercitar o
desenho através da cópia de modelos consagrados, mas isso nessa primeira
fase era raro, pois além do trabalho servil ser exaustivo o papel era
caríssimo e não podia ser gasto à toa com alunos ainda despreparados.
Somente quando o aluno dominava essa parte instrumental e já conhecia em
profundidade as propriedades dos materiais da arte era-lhes dado acesso ao
conhecimento dos rudimentos mais básicos da criação, servindo então como
assistentes diretos dos mestres, mas ainda apenas esticando as telas e
preparando os painéis em madeira, dando-lhes as camadas de base, pintando
alguns detalhes menos importantes da composição e se aprofundando no
estudo do desenho. Entretanto, parece certo que Michelangelo quando
ingressou na oficina Ghirlandaio já havia praticado muito desenho, e
assim, é difícil determinar com exatidão até onde vai a verdade das
biografias primitivas, até porque elas constantemente tendem a exaltar o
seu sujeito, mesmo que seja reconhecido que seu talento foi precoce e seu
desenvolvimento, muito rápido.


Juventude


Michelangelo: Centauromaquia, c.1492. Casa Buonarroti, Florença.

Michelangelo não terminou seu aprendizado com os Ghirlandaio. Um ano
depois deixou o atelier e entrou na proteção de Lorenzo de' Medici. Os
autores divergem sobre as circunstâncias desse evento. Talvez por seu
temperamento rebelde ele tenha se tornado uma presença irritante para os
seus mestres, também ele aparentemente não apreciava tanto a pintura como
a escultura; Barbara Somervill disse que seu pai, confiando na força de um
parentesco distante com os Medici e na disposição de Lorenzo em ajudar
seus familiares pobres, apelou para que ele o aceitasse como aprendiz;
Vasari e Condivi alegam que foi por solicitação direta de Lorenzo a
Lodovico.
Seja como for, com quinze anos de fato ele passou a
viver no palácio dos Medici. Lorenzo era o chefe de sua ilustre família,
então a mais rica da Itália, governava de facto Florença embora não
tivesse cargo oficial, e reunira em torno de si uma brilhante corte de
humanistas e artistas, sendo ele próprio um poeta e intelectual. Foi uma
circunstância afortunada para Michelangelo, pois pôde desfrutar da amizade
pessoal com o mecenas, comendo em sua mesa e recebendo o atraente salário
de cinco ducados por semana, e da atmosfera erudita do seu círculo, do
qual participavam Angelo Poliziano, Pico della Mirandola e Marsilio
Ficino, reforçando sua educação precária e entrando em contato com o
Neoplatonismo. Fez amigos também entre os filhos da casa, que mais tarde
se tornaram seus patronos, e mais importante para sua carreira foi poder
frequentar o célebre Jardim de Esculturas que Lorenzo organizara com uma
importante coleção de fragmentos da Antiguidade clássica, de cujo estudo
retirou substancial informação para desenvolver seu estilo pessoal na
escultura.

Para administrar esse jardim Lorenzo contratara o escultor Bertoldo di
Giovanni, que havia sido aluno de Donatello, e com ele Michelangelo teve
algo que se aproximou de um professor de escultura, embora aparentemente
não tenha seguido seus métodos. Sua primeira obra para Lorenzo parece ter
sido uma cabeça de fauno, que não sobreviveu, mas segundo consta foi tão
bem realizada que com ela Lorenzo definitivamente se rendeu ao talento do
jovem.
Outras obras dessa fase foram um crucifixo para o prior do
Hospital do Santo Espírito, que lhe permitia dissecar cadáveres para
estudar sua anatomia, um baixo-relevo hoje conhecido como a Madonna da
Escada, à maneira de Donatello, e o alto-relevo da Centauromaquia, criado
sob o conselho de Poliziano e possivelmente inspirado em um motivo
encontrado em um sarcófago romano, que despertou a admiração até das
gerações seguintes como uma obra já madura, ainda que tenha sido deixado
inconcluso.
Pouco depois, em 8 de abril de 1492, Lorenzo faleceu, deixando o governo
para seu filho Piero de' Medici, de apenas vinte e um anos de idade.
Segundo Condivi, para Michelangelo a morte de seu patrono foi um grande
choque, tendo permanecido dias em funda tristeza, incapaz de qualquer
ação. Retirou-se para a casa de seu pai, onde esculpiu um Hércules de
grandes dimensões, que foi vendido para Francisco I da França, mas do qual
não se conhece o paradeiro. Sucedeu então que caísse uma grande nevasca
sobre Florença, e então Piero lembrou-se do amigo. Intimou que ele
acorresse ao seu palácio para fazer um boneco de neve, e renovou o convite
para que o artista vivesse no palácio Medici a fim de que as coisas
continuassem da maneira que eram antes da morte de Lorenzo. O convite foi
aceito e Michelangelo novamente se tornou um favorito, mas Piero carecia
de toda a sabedoria política de seu pai, era tirânico e completamente
inepto para a sua função. Tanto que atraiu a condenação de Savonarola e o
descontentamento popular cresceu rápido. Percebendo o rumo fatal que os
acontecimentos tomavam, e por causa de sua íntima associação com Piero,
Michelangelo fugiu secretamente primeiro para Bolonha, e depois seguindo
para Veneza, poucas semanas antes de Florença ser invadida por Carlos VIII
da França e Piero ser derrubado e expulso de lá junto com toda a sua
família.

Não conseguindo trabalho em Veneza, voltou para Bolonha, onde encontrou um
novo patrono em Gianfrancesco Aldovrandi, em cuja casa permaneceu por um
ano. Por sua sugestão produziu figuras para a tumba inacabada de São
Domingos, um Anjo segurando um candelabro, um São Proclo e um São
Petrônio, e não fez mais que isso em sua estada com Aldovrandi, além de
entreter seu mecenas com leituras de Dante, Petrarca e Boccaccio,
apreciadas por seu dialeto toscano ser o mesmo em que haviam sido
escritas.
Entretanto, conheceu obras classicistas de Jacopo della
Quercia, que exerceram significativa influência em seu estilo.
No inverno de 1495 voltou brevemente a Florença. Condivi e Vasari relataram
que Michelangelo encontrou-se com Lorenzo di Pierfrancesco de' Medici, que
o encorajou a esculpir um São João, e depois um Cupido adormecido,
induzindo o artista a patiná-lo para que pudesse ser vendido como uma
antiguidade por um bom preço no mercado romano. Michelangelo o teria
enviado para Roma em 1496 e sido adquirido pelo Cardeal Raffaele Riario,
mas Clacment acredita que a história é muito duvidosa.

Maturidade


Michelangelo: Um dos nus do teto da Capela Sistina.


De qualquer forma ele viajou para Roma em seguida e hospedou-se por um ano com Riario,
mas para ele aparentemente não produziu nada. Sua obra seguinte, um Baco
embriagado de grandes dimensões e traços claramente clássicos, foi feita a
pedido do banqueiro Jacopo Galli, que solicitou ainda um Cupido em pé, e
através de quem Michelangelo conheceu o Cardeal Jean de la Grolaye de
Villiers, embaixador da França junto ao Vaticano, que encomendou a célebre
Pietà, um tema raro na Itália mas comum na França, que foi imediatamente
aclamada como uma obra-prima, alçando-o à fama. Logo recebeu outras
comissões, incluindo quinze estatuetas de santos para o Cardeal Francesco
Piccolomini, mas realizou destas apenas quatro, interrompendo o trabalho
em 1501 para atender um chamado da Catedral de Florença.

A encomenda foi de um David, a ser instalado nos contrafortes da Catedral.
Michelangelo escolheu para a obra um enorme bloco de mármore que havia
sido trabalhado parcialmente por outros escultores mas permanecia
abandonado há quarenta anos, com mais de 5m de altura. Talhar uma obra
desse vulto ainda hoje é um desafio técnico enorme, e quando pronta em
1504 o resultado foi considerado tão brilhante e magnificente que se
formou uma comissão de notáveis para decidir onde colocá-la, pois se
julgou merecer uma posição mais destacada do que a prevista de antemão.
Assim, foi instalada diante do Palácio dos Priores, a sede administrativa
da República, como um símbolo das virtudes cívicas florentinas. Durante
esses anos envolvido com o David Michelangelo ainda achou tempo para criar
várias Madonnas para patronos privados, uma estátua e duas em relevo
marmóreo e uma pintada, esta sendo especialmente significativa como um
exemplo precursor do Maneirismo florentino. Condivi mencionou mais
duas obras, em bronze, um David e uma Madonna, que não são conhecidas.
Depois do sucesso absoluto de seu David Michelangelo foi atraído para
projetos monumentais, mas raramente aceitava ajudantes diretos, de forma
que muitos deles não foram acabados. Foi o caso da outra empreitada com
que os magistrados florentinos o incumbiram, um grande afresco para a Sala
do Conselho, representando a Batalha de Cascina, um evento da guerra em
que Florença conquistou Pisa. Leonardo da Vinci foi convidado no mesmo
momento para fazer outra grande pintura na parede oposta da sala. Nem uma
das duas foi terminada, e a de Michelangelo sequer saiu do estudo
preparatório. Em 1505 Michelangelo aceitou um pedido de doze grandes
Apóstolos em mármore para a Catedral, mas somente um, Mateus, foi
começado, e mesmo este foi abandonado antes de acabar, pois o papa Júlio
II o chamara para Roma.

Júlio estava tão fascinado pelo grande quanto Michelangelo, era
voluntarioso e seus atritos com o artista, cujo temperamento também era
forte, se tornaram lendários. Planejara erguer uma portentosa tumba para
si mesmo, com quarenta estátuas. Definido o desenho, Michelangelo
viajou para as minas de mármore em Carrara para selecionar as pedras,
passando lá oito meses. Quando o material chegou a Roma ocupou boa parte
da Praça de São Pedro. Mas estando Júlio engajado ao mesmo tempo na
reconstrução da vasta Basílica de São Pedro, os fundos para o trabalho
logo secaram. Michelangelo supôs que o arquiteto de São Pedro, Bramante,
havia envenenado o papa contra ele, e deixou Roma, voltando para Florença,
mas o papa fez pressão sobre as autoridades florentinas exigindo o seu
retorno, e em vez de continuar as obras da sua tumba mandou-o criar uma
colossal estátua sua em bronze para instalar em Bolonha, que recém havia
conquistado em suas expedições militares. Depois de pronta o fez aceitar,
a contragosto, o encargo de pintar o enorme teto da Capela Sistina,
completado em apenas quatro anos, entre 1508 e 1511. O resultado foi muito
além das expectativas papais, e mesmo que Michelangelo não estivesse muito
à vontade com a técnica da pintura, preferindo sempre a escultura, deu
provas de possuir um gênio pictórico comparável ao que produziu o David e
a Pietà. Assim que terminou o teto Júlio mandou que ele voltasse a
trabalhar em sua tumba, que jamais foi acabada segundo o plano original.
Júlio morreu em 1513 e o projeto então foi revisado várias vezes e
sucessivamente reduzido pelos outros papas, transformando-se em uma obra
muito mais modesta do que a pretendida. Das quarenta estátuas do plano o
monumento atual possui apenas sete, e destas somente o Moisés (1513-15)
tem real valor, sendo uma contrapartida escultórica das grandes figuras do
teto da Sistina. Seis outras, inacabadas mas também de grande interesse,
representando escravos e prisioneiros, originalmente pretendidas como
parte do conjunto, foram dispersas e estão hoje no Museu do Louvre em
Paris e na Galleria dell'Accademia de Florença. Outra peça importante do
período foi um Cristo Redentor nu para a Igreja de Santa Maria sobre
Minerva.

O sucessor de Júlio foi um amigo de juventude de Michelangelo, o segundo
filho de Lorenzo de' Medici, Giovanni, que foi sagrado papa com o nome de
Leão X. O governante de Florença então era o Cardeal Giulio de' Medici,
mais tarde também papa com o nome de Clemente VII. Ambos empregaram o
artista principalmente em Florença em obras de glorificação de sua
família. Para eles Michelangelo penetrou no terreno da arquitetura,
elaborando um plano para a remodelação da fachada da Basílica de São
Lourenço, nunca concretizado, mas os seus esforços deram melhores frutos
em um projeto menor, a construção e decoração da Sacristia Nova, ligada à
Basílica. As obras mais significativas na Sacristia são as originais
tumbas de Giuliano di Lorenzo de' Medici e Lorenzo di Piero de' Medici,
que compreendem cada uma uma estátua idealizada do morto e duas figuras
decorativas reclinadas sobre o caixão, nem todas inteiramente acabadas mas
de grande pujança, já em um estilo claramente maneirista. No mesmo período
Michelangelo projetou outro edifício anexo à Basílica, a Biblioteca
Laurenciana, para receber o acervo legado pelo papa Leão X após sua morte.
A estrutura é marcante pela sua livre interpretação dos cânones
arquitetônicos clássicos, tornando-a o primeiro e um dos mais importantes
exemplos do Maneirismo arquitetural.

Em 1527 Roma foi saqueada e o papa fugiu, e Florença se revoltou novamente
contra os Medici, banindo-os. Em seguida a cidade foi assediada, e nesse
período Michelangelo foi empregado pelo governo local em obras de
engenharia, projetando fortificações. Esta década e a seguinte foram
especialmente difíceis para ele. Seu pai morrera em 1521 e em seguida seu
irmão favorito. Michelangelo se preocupava com o avanço dos anos e temia a
morte, e ainda se envolveu em assuntos familiares para assegurar a
perpetuação do nome Buonarroti. Em sua vida afetiva se ligou fortemente a
homens jovens, em especial a Tommaso dei Cavalieri, trocando calorosa
correspondência e escrevendo-lhes poesias de grande qualidade, tratando do
tema do amor na tradição de Petrarca e expressando ideias neoplatônicas.
Essas ligações e esses testemunhos materiais têm sido considerados por
grande número de estudiosos como evidências de homossexualidade, mas para
uma minoria influente, da qual participa Gilbert Creighton, editor da
Britannica, é provável que ele estivesse mais preocupado em encontrar um
filho adotivo e que seu transbordamento emocional não passasse de retórica
literária.
Em 1530 os Medici conseguiram impor definitivamente
seu governo em Florença, Michelangelo voltou ao projeto das tumbas da
família e produziu duas esculturas, um Gênio da Vitória, que se tornou um
protótipo para os escultores maneiristas, e um David, às vezes
identificado também como Apolo. Em 1534 deixou a cidade pela última vez, a
chamado do novo papa, Paulo III, passando a residir em Roma, embora tenha
sempre alimentado a esperança de poder voltar e terminar seus projetos
inacabados.

Últimas décadas



Nessa fase Michelangelo deixou um pouco de lado a escultura e se voltou
para a arquitetura, a poesia e a pintura. Paulo III o chamara para pintar
a cena do Juízo Final na parede atrás do altar da Capela Sistina. A
composição foi outra obra-prima, mas em um estilo muito diverso daquele do
teto, e reflete o impacto da Contra-Reforma na cultura da época. A
concepção é poderosa e as figuras ainda são grandiosas, mas sua descrição
anatômica é menos clara. Por outro lado, a intensidade psicológica e
dramática é muito mais impressionante. Uma cena prevista para a parede
oposta, mostrando a Queda de Lúcifer, foi desenhada em cartão mas não
realizada. Entretanto, de acordo com Vasari o desenho foi aproveitado por
um artista menor na Igreja da Santíssima Trindade dos Montes, mas com uma
execução pobre. Imediatamente depois foi convocado para pintar mais
dois grandes painéis na Capela Paulina, ilustrando a Crucificação de São
Pedro e a Conversão de Saulo. Nesse período desenvolveu uma profunda
ligação afetiva com a patrícia romana Vittoria Colonna, que perdurou até a
morte dela em 1547, compartilhando um interesse pela poesia e pela
religião. Desenhou a remodelação da Praça do Capitólio, um dos projetos
urbanísticos mais notáveis da cidade, e na sua condição de novo arquiteto
de São Pedro, cargo aceito também com grande relutância, elaborou os
planos para a reforma de sua estrutura a partir das ideias deixadas por
Bramante, descartando acréscimos de outros colaboradores e revertendo a
planta para cruz grega, e também desenhou a cúpula, uma grande peça de
arquitetura, embora construída somente depois que morreu, com ligeiras
modificações. Enquanto trabalhava em São Pedro se envolveu em projetos
arquitetônicos menores, completando o inacabado Palácio Farnese, dando
aconselhamento nas obras da Villa Giulia, da Igreja de São Pedro em
Montorio e do Belvedere do Vaticano, além de fornecer um projeto, não
utilizado, para a remodelação da Basílica de São João dos
Florentinos.

Em 1555 Paulo IV ascendeu o papado e de imediato abriu um conflito com o
governo espanhol em Nápoles, ao mesmo tempo em que intensificou os
procedimentos da Contra-Reforma e apoiou a Inquisição. Cancelou a
chancelaria de Rimini que Paulo III havia outorgado a Michelangelo, uma
boa fonte de renda para ele, e quis destruir o Juízo Final da Sistina,
considerado indecente, o que só não ocorreu graças à firme oposição de
vários cardeais; mesmo assim vários nus foram cobertos. O clima em Roma se
tornou tenso, tropas francesas entraram nos Estados Papais e Michelangelo
em 1557 buscou refúgio temporário em um mosteiro em Spoleto, deixando as
obras na Basílica a cargo de auxiliares. Voltando a Roma pouco depois,
passou a se dedicar ao projeto de um túmulo para si mesmo, nunca
executado, mas para ele esculpiu a Pietà de Florença, onde se acredita que
ele tenha deixado seu auto-retrato na figura de José de Arimatéia. Então
voltou às obras de São Pedro, mas suas decisões eram continuamente
desacatadas pelos assistentes, criando uma situação estressante. Em 1559 o
papa morreu. Era tão odiado que o povo romano fez grandes manifestações
públicas de regozijo ao saber da notícia, e Duppa diz que deve ter sido um
alívio também para o artista.

Pio IV manteve Michelangelo como arquiteto de São Pedro - desta época é o
projeto da cúpula - e lhe restituiu parte das rendas de Rimini. Desenhou
um monumento em honra ao irmão do papa a ser instalado na Catedral de
Milão, executado por outros, construiu a Porta Pia, reformou as Termas de
Diocleciano, transformando-as na Basílica de Santa Maria dos Anjos e dos
Mártires, e projetou uma capela na Basílica de Santa Maria Maior,
terminada postumamente. A posição de Michelangelo como arquiteto-chefe de
São Pedro nunca agradara aos diretores da obra e aos arquitetos
assistentes, as pressões por fim acabaram por triunfar, e em 1562 ele foi
removido do cargo. Mas logo a situação reverteu a seu favor, pois
Michelangelo solicitou uma entrevista com o papa e lhe expôs as intrigas
que haviam levado à situação. O papa mandou examinar o caso, confirmou as
alegações de Michelangelo e o reconduziu à chefia das obras, e mais,
ordenou que suas diretrizes fossem seguidas à risca.

Em 1563 foi eleito princeps inter pares da Accademia del Disegno de
Florença, recém fundada por Cosimo I de' Medici e Vasari, e somente depois
disso, às portas dos noventa anos de idade, sua saúde e vigor começaram a
declinar rápida e visivelmente. Pouco tempo lhe restava, e na passagem de
1563 para 1564 se tornou claro que já não poderia sair à rua a qualquer
hora e sob qualquer tempo como costumava, e nem podia mais recusar a ajuda
de outros como fora seu hábito perene. Em 14 de fevereiro de 1564 sofreu
uma espécie de ataque, e espalhou-se a notícia de que ele estava doente.
Não obstante, seu amigo Tiberio Calcagni, que correu visitá-lo, o
encontrou na rua debaixo da chuva, mas dizendo que não encontrava sossego
de forma alguma. De acordo com o relato sua face estava com uma péssima
aparência e sua fala era hesitante. Entrando em casa, recolheu-se para
descansar. Outros amigos vieram para atendê-lo, no dia seguinte pressentiu
a morte e mandou chamar seu sobrinho Lionardo, mas este não chegou a tempo
de vê-lo vivo. Faleceu pacificamente pouco antes das cinco da tarde do dia
18, na companhia de Tiberio Calcagni, Diomede Leoni, Tommaso dei Cavalieri
e Daniele da Volterra, além dos médicos Federigo Donati e Gherardo
Fidelissimi.

Por ordem do governador de Roma o corpo foi depositado com grandes honras
na Basílica dos Doze Santos Apóstolos, mas Lionardo desejava que ele
repousasse em Florença, e teve de roubar o cadáver e despachá-lo para a
outra cidade disfarçado como mercadorias, sendo entregue na alfândega
local em 11 de março. Dali foi removido para um oratório, e no dia
seguinte em segredo foi levado por amigos para a Basílica da Santa Cruz,
mas o movimento foi percebido por populares e logo uma grande multidão se
formou para acompanhar o cortejo, prestando-lhe sua última homenagem. O
grupo entrou na Basílica, que ficou completamente lotada, e o
lugar-tenente da Accademia ordenou que o caixão fosse aberto. Segundo os
registros, após vinte e cinco dias de seu falecimento, o corpo ainda
estava intacto e sem qualquer odor. Então foi enterrado atrás do altar dos
Cavalcanti. Em 14 de julho uma grande cerimônia pública homenageou sua
memória. Os poemas e panegíricos escritos para o dia encheram um volume,
que foi publicado em seguida. Sua tumba definitiva foi desenhada por
Vasari e está na Basílica da Santa Cruz. Mais tarde diversas cidades
ergueram-lhe monumentos.





Fontes: Globo.com / wikipedia

O Gênio e sua Inspiração: Sammy Davis Jr, o Artista Multimídia

Em 2002, numa entrevista a VIBE Magazine, Michael Jackson revelou sua admiração por este artista multimídia, muitas vezes descrito, em sua época, como "o maior artista vivo do mundo":

"Quando você cresce ouvindo alguém que você admira, você tende a querer tornar-se eles. Você quer ser como eles, vestir-se como eles. Quando eu era pequeno (...) eu era Sammy Davis Jr...




Sammy Davis Jr. nasceu no Harlem, em New York, em 1925. Filho de uma estrela do vaudeville, Mr Sammy Davis, ele era conhecido como alguém que podia fazer tudo - cantar, dançar, tocar instrumentos, atuar, fazer stand-up - e ele também era conhecido por seu humor auto-depreciativo. Uma vez, ele ouviu alguém reclamar de discriminação, e disse: "Para você é mais fácil. Eu sou um pequeno, feio, caolho, judeu e negro. Como você acha que é para mim?"


Aos três anos, Sammy fazia parte do grupo Will Mastin's Gang Featuring Little Sammy, fundado no Harlem, o bairro negro onde ele nasceu, por seu pai e seu tio. Ao sete, estreou no cinema em "Rufus Jones for President". Sempre articulado, ele nunca frequentou nenhuma escola de qualquer tipo; se apresentando desde a idade de cinco anos, ele era autodidata.

Sammy Davis Jr. dominava o palco e por isso, mais do que 23 filmes e 40 discos Long Playing (LP), suas performances gravadas ao vivo são seu principal legado. Seus temas mais conhecidos são "Mr. Bojangles", "Candy Man" e "That Old Black Magic". Notável intérprete de Cole Porter, Sammy estrelou a versão para o cinema da ópera "Porgy and Bess", sob a direção de Otto Preminger, em 1959.

Após a Segunda Guerra Mundial, iniciou sua carreira no salão de festas Slapsy Maxie, de Los Angeles. O sucesso no musical "Mr. Wonderful", na Broadway, abriu o espaço para estrelar seu próprio programa de televisão. Foi o primeiro artista negro a conseguir isso.

Seu primeiro álbum, "Starring Sammy Davis Jr.", foi lançado em 1954. Naquele ano, ficou meses afastado porque perdeu o olho esquerdo em um acidente de carro. Ao retornar aos palcos, colocou nas paradas de sucesso as músicas "Something's Gotta Give", "Love me or Leave me" e "That Old Black Magic".

Em 1942, conheceu Frank Sinatra durante uma apresentação no Teatro Michigan, em Detroit. Formou, em parceria com ele, Dean Martin, Peter Lawford e Joey Bishop, o célebre grupo "Rat Pack", que atuava nos cassinos de Las Vegas entre 1950 e 1960. O mesmo grupo também produziu filmes, como "Ocean's Eleven" ("Onze homens e um destino") (1960), "Sergeants 3" (1962) e "Robin and the Seven Hoods" (1964). Inicialmente Sinatra chamou o grupo de "Clan," mas Sam fez oposição, dizendo que o termo evocava pensamentos sobre a Ku Klux Klan. Sinatra renomeou o grupo então como "The Summit", algo como 'A Cúpula'. Apesar disso a mídia continuou chamando o grupo de Rat Pack por muito tempo.

Um curto período no exército abriu seus olhos para os males do racismo - um homem franzino, ele era frequentemente agredido por maiores soldados brancos e dada as atribuições mais sujas e perigosas, simplesmente porque ele era negro - e ele ajudou quebrar as barreiras raciais no show business em 1950 e 1960.

Durante seus anos iniciais em Las Vegas, ele e outros artistas afro-americanos como Nat King Cole e Count Basie podiam fazer shows no palco, mas na maioria das vezes não podiam se hospedar nos hotéis em que estavam cantando. E mais ainda, não podiam jogar nos cassinos ou ir até os bares e restaurantes dos hotéis. Depois que adquiriu o status de superstar, Sammy Davis se recusava a trabalhar em locais que praticassem a segregação racial. Suas exigências algumas vezes levaram a uma integração nos nightclubs de Miami Beach e nos cassinos de Las Vegas. Davis ficava particularmente orgulhoso deste fato.

Uma história espantosa: em meados da década de 50, Sammy envolveu-se com a atriz Kim Novak, que era uma valiosa estrela sob contrato da Columbia Studios. O chefe do estúdio, Harry Cohn, estava preocupado com o efeito negativo que isto poderia ter no estúdio por causa do forte tabu contra a miscigenação. Ele chamou um velho amigo, o mafioso Johnny Roselli, que pediu para contarem a Sammy que ele tinha de parar o affair com Novak. Roselli armou então para que Davis fosse sequestrado por algumas horas para assustá-lo.

Em 1989, aos 64 anos, Sammy Davis Jr fala sobre Michael Jackson em seu show e surpreende a platéia cantando e dançando Bad.


https://www.youtube.com/watch?v=1hS5C...eature=related

Em 1990, Michael Jackson compôs a canção "You Were There" para o especial que comemorava os 65 anos de Sammy Davis Jr., em Paris. Ele faleceu em maio daquele mesmo ano.


https://www.youtube.com/watch?v=zOQnQU5dj30&feature=related
Michael canta para Sammy Davis Jr.

"YOU WERE THERE" (VOCÊ ESTAVA LÁ)



LETRA,TRADUÇÃO E VÍDEO

You were there, before we came.
Você estava lá, antes de nós chegarmos
You took the hurt, you took the shame.
Você superou a ferida, você superou a vergonha
They built the walls to block your way.
Eles construíram muros pra te bloquear
You beat them down.
Você os venceu
You won the day.
Você ganhou o dia
It wasn't right, it wasn't fair.
Não era certo, não era justo
You taught them all.
Você ensinou todos eles
You made them care.
Os fez se importar
Yes, you were there, and thanks to you
Sim, você estava lá e graças a você
There's now a door we all walk through.
Existe uma porta que todos nós passamos
And we are here, for all to see
E estamos aqui para todos verem
To be the best that we can be.
Pra sermos os melhores que podemos ser
Yes, I am here....
Sim, eu estou aqui
Because you were there.
Porque você estava lá.


Sammy teve vários sucessos musicais, entre eles "I've Gotta Be Me", em 1969, e "Candy Man", um pouco mais tarde. Sammy também fez vários filmes, tais como "Diamantes São Eternos" (Diamons Are Forever, 1971), "Onze Homens e um Segredo (Ocean's Eleven, 1960) e "Luar Sobre Parador" (Moon Over Parador, 198, entre outros.

A carreira de Sammy Davis Jr., no entanto, foi bastante prejudicada pelo preconceito racial, que limitou seus papéis no cinema, mesmo considerando sua parceria com amigos do Rat-Pack como Frank Sinatra e Dean Martin. O artista, porém, compensava com espetáculos ao vivo, tendo uma agenda constantemente lotada e casa cheia. "Gostem ou não de mim, eles sabem que meu espetáculo vale o dinheiro que gastaram com o ingresso", disse ele numa entrevista.

O público conservador americano manifestou sua ira em dois episódios: a conversão de Sammy ao judaísmo e seu casamento com May Britt, uma atriz branca, loura e sueca. Nesses períodos, ele recebeu ameaças de morte.

Seu último desempenho foi numa produção para a TV, "O maior presente de Natal" ("The kid who loved Christmas"), em 1990. Sammy Davis Jr. morreu de câncer aos 65 anos, em Beverly Hills, bairro dos ricos e famosos de Los Angeles.


Fontes: UOL Educação/Coleção Folha Grandes Clássicos do Cinema

Nicholas Brothers, os Sapateadores Acrobatas

Debbie Allen - a quem Michel Jackson recorreu quando quis contratar um professor de sapateado há 10 anos atrás -, conta num artigo à Dance Universe que uma das perguntas que ele fazia durante a entrevista com os candidatos era: "Você pode dançar como os Nicholas Brother's ou Fred Astaire?"





Os Nicholas Brothers foram uma equipe de dança de sapateado acrobático em meados do século 20. São considerados os dois maiores dançarinos que já viveram. Os irmãos Fayard e Harold - filhos de músicos do vaudeville que tocavam em sua própria banda - começaram a cantar e dançar quando jovens.





"Meu pai teve uma grande influência em mim. Ele me disse um dia quando eu estava dançando, 'Filho, isto é bom. Você faz isso muito bem. Mas não faça o que outras pessoas fazem. Faça suas próprias coisas.' Fayard Nicholas"







Trajetória dos Irmãos:


A estréia do dueto aconteceu em 1928 no circuito do show de seus pais. Quatro anos depois, eles abriram no Cotton Club do Harlem no que foi o primeiro curta-metragem dos sapateadores. Em 1934, dançavam em Kid Millions, o primeiro de seus muitos filmes de Hollywood, que incluem também o The Big Broadcast of 1935, Down Argentine Way (1940), Sun Valley Serenade (1941), Stormy Weather (1943, em que é realizada a sua famosa performance "Jumpin 'Jive" de rotina), e The Pirate (1948, seu último filme juntos). Os irmãos também apareceram em várias produções teatrais, incluindo a Broadway's Ziegfield Follies (1936) e Babes in Arms (1937), e na televisão. No final de suas carreiras, os dois irmãos fizeram trabalho solo como bailarinos e em papéis dramáticos.
Estilo diferenciado no Sapateado:

Nas performances da dupla de sapateadores há uma mistura surpreendente de sapateado, jazz e ballet com vira, cisões e outros movimentos show-stopping.
Utilizavam o ACROBATIC TAP (Sapateado Acrobático), um sapateado fantástico em que se faziam muitas acrobacias aprendidas em circo misturada com música e com ritmo. Além do acrobatic tap eles utilizavam passos flash e o rhythm tap. Harold Nicholas e Fayard Nicholas, integrantes da dupla, fizeram filmes musicais cantando e atuando.
Uma de suas assinaturas nos movimentos era de dançar por um lance de escadas enormes amplas, ultrapassando uns degraus sobre os outros e desembarcando em uma divisão completa em cada etapa. Esta iniciativa foi realizada no final de sua performance mais famosa, o filme Stormy Weather. Fred Astaire disse uma vez que “Jupin Jive” (o número de Stormy Weather) foi o maior filme de seqüência musical que ele já tinha visto.





Vídeo de 23 de fevereiro de 1977 no "The Jacksons Show", onde Michael (Família Jackson) realiza uma performance junto com os Nicholas Brothers



Fontes e Referências: Wikipedia, The Dance Journal, Juliana Garcia, Nicholas Brothers Answers

O adeus de Smokey Robinson a Michael.









A lenda viva do soul Smokey Robinson relembrou seu primeiro encontro com Michael Jackson, quando este tinha apenas 10 anos. "Ele gravou uma música minha sobre abandono. Como ele poderia, assim tão jovem, ter tanta emoção, tanta alma, tanto saber? Queria ver sua certidão de nascimento!",brincou. "Ele nunca vai partir de verdade. Ele vai viver eternamente conosco.">>
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“Não acreditava que uma pessoa daquela idade podia fazer tudo que fazia. É meu irmãozinho ali (apontou para o caixão).Ele viverá para sempre, sempre, sempre. Ele causou um grande impacto em nossas vidas, no mundo todo. Mas ele viverá. Eu acredito em presentes e recebi muitos deles em minha vida. Uma das melhores foi ter a chance de conhecer a família Jackson e ver Michael.”>>
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"O mundo nunca vai esquecer Michael Jackson. Eu te amo meu irmão. Tenho orgulho de ter tido a oportunidade de conhecê-lo",>>
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"Nunca achei que iria estar aqui com o meu irmãozinho>>
ali. Sempre achei que ele iria viver para sempre.">>
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Cantor lê mensagem de Nelson Mandela>>
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Smokey Robinson abriu a cerimônia de homenagem a Michael Jackson no>>
Staples Center, em Los Angeles. O cantor, ex-integrante do quarteto vocalThe Miracles (o primeiro a assinar com a gravadora Motown, que lançoudiscos do Jackson 5), leu um discurso em homenagem ao Rei do Pop. Em um dos trechos, Robinson reproduziu ao público do Staples Center um texto enviado por Nelson Mandela. Leia trechos abaixo:>>
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"Michael se tornou próximo de nós depois que começou a visitar e a se apresentar na África do Sul regularmente. Ele se tornou próximo a nossa família. Nós tínhamos grande admiração por seu talento e habilidade de,tantas vezes em sua vida, triunfar diante de tragédias. Michael era um gigante e uma lenda na indústria da música. Estamos de luto, ao lado de milhões de fãs ao redor do mundo. Também estamos de luto com sua família e amigos pela perda de nosso querido amigo. (...) Sejamos fortes."






William "Smokey" Robinson, Jr. (nascido em 19 de fevereiro de 1940 em Detroit, Michigan.) é cantor, compositor e produtor de R&B e soul norte-americano.



Cresceu em uma vizinhança violenta, Robinson começou a cantar em grupos locais. No início de 1950, ele formou a Matadors, que mais tarde se tornou famoso no mundo como The miracles.>>
Um encontro casual com o produtor Berry Gordy Jr., levou a um contrato com a Motown Records, bem como a uma importante relação de trabalho. The Miracles marcou o seu primeiro grande sucesso com "Shop Around" (1960) e desenvolveu bastante na sequência com o seu enérgico som R&B.>>
O grupo tem vários sucessos, incluindo "You Really Got a Hold on Me"(1962).>>
Robinson também trabalhou nos bastidores, compondo e produzindo para The Miracles e outros artistas da Motown, como Mary Wells e os Temptations. Seu trabalho contribuiu para o sucesso da Motown Records, e ajudou a impulsionar a popularidade da música soul.>>
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Robinson passou a cantor solo em 1972, criando um som mais maduro para si mesmo.





Freqüentemente associada com a romântica música soul, lançou álbuns de>>
sucesso, tais como Touch Sky (1983). Meados dos anos 1980 foi uma época difícil para ele , quando lutou contra o vício das drogas. >>
Robinson discutiu abertamente o problema da cocaína, assim como muitos outros temas pessoais em sua autobiografia de 1989, Smokey: Inside My Life.>>
Ele creditou a recuperação do abuso de substância à sua fé religiosa.>>
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Robinson passou a ganhar seu primeiro Grammy como artista solo em 1987 como Melhor R & B Vocal Performance, Masculino para a música "Just To See Her". >>
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Ele tomou o seu trabalho em uma nova direção em 2004, lançando uma coleção de músicas que refletem suas crenças espirituais.>>
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Fontes: Rolling Stones/o globo / abril digital / wikipedia / bio true story

Caracas Ana q belo post PARABENS MENINA...

Puxa akela homenagem de Mike pra Samy Davis me mata aff q interpretação...
nem vo falar de todos pq senao vo acabar falando demais rsrs

Mas muito show e varias curiosidades...bem bacana...

"Jonathan Livingston Seagull — a story" (A História de Fernão Capelo Gaivota)

Numa entrevista para a edição especial da revista TIME, ao falar sobre MJ, Kobe Bryant revelou:



"Uma das coisas que ele sempre me disse foi: "Não tenha medo de ser diferente." Em outras palavras, quando você tem esse desejo, esse movimento, as pessoas irão tentar arrastá-lo para longe disso, e trazê-lo para mais perto do pacote que é ser "normal". E ele estava dizendo, tudo bem ser movido assim, tudo bem ser obcecado com o que você quer fazer. Isso é perfeitamente saudável. Não tenha medo de não se desviar disso. Um dos livros que ele me deu que me ajudou a falar comigo foi Jonathan Livingston Seagull, que era sobre isso."



"Jonathan Livingston Seagull — a story"

Romance escrito por Richard Bach, e lançado nos EUA em 1970, foi publicado no Brasil com o título de "A História de Fernão Capelo Gaivota", pela Editora Nórdica.


Sinopse

Uma gaivota de nome Fernão decide que voar não deve ser apenas uma forma para a ave se movimentar. A história desenrola-se sobre o fascínio de Fernão pelas acrobacias que pode modificar e em como isso transtorna o grupo de gaivotas do seu clã. É uma história sobre liberdade, aprendizagem e amor. Ele morre no final pois ele bateu num avião, mas não se importou, pois a paixão dele era voar!


Parte I

A primeira parte do livro mostra o jovem Fernão Capelo Gaivota frustrado com o materialismo e o significado da conformidade e da limitação da vida de gaivota. Ele é tomado pela paixão pelos vôos de todos os tipos, e sua alma decola como os seus experimentos e emocionantes triunfos de ousadia e feitos aéreos. Eventualmente, a sua falta de conformismo à limitada vida de gaivota leva-o a entrar em conflito com o seu bando, e todos se voltam contra ele. Ele torna-se um maldito. Apesar disso, Fernão continua seus esforços para atingir objetivos e vôos mais altos, muitas vezes bem sucedidos, mas eventualmente sem conseguir tanto quanto desejaria. Ele é, em seguida, encontrado por duas radiantes gaivotas que explicam-lhe que ele já aprendeu muito, e que agora elas estão lá para ensinar-lhe mais. Ele então passa a segui-las.


Parte II

Na segunda parte, Fernão conhece uma outra sociedade na qual todas as gaivotas desfrutam da paixão pelo vôo. Ele só é capaz de praticar essa habilidade após duras horas de muito treino de vôo. Nesta outra sociedade, o respeito verdadeiro surge em contradição com a força coercitiva que estava mantendo o antigo bando junto.

O processo de aprendizagem, que liga os mestres altamente experientes aos alunos dedicados, é aumentado a quase um nível sagrado, sugerindo que esta pode ser a verdadeira relação entre homem e Deus. O autor considera que certamente humano e Deus, independentemente de todas as enormes diferenças, estão compartilhando algo de grande importância que podem vinculá-los: "Você tem de compreender que uma gaivota é uma ilimitada idéia de liberdade, uma imagem da Grande Gaivota ". Ela sabe que você tem que ser fiel a si mesmo.


Parte III

A introdução à terceira parte do livro é composta pelas últimas palavras da mestra de Fernão: "continuar trabalhando para amar". Nesta parte, Fernão entende que o espírito não pode ser verdadeiramente livre sem a capacidade de perdoar, e o caminho do progresso passa pela capacidade de tornar-se um mestre - e não somente pelo do trabalho árduo como um aluno. Fernão volta para o antigo bando para compartilhar suas idéias e as suas descobertas recentes e grande experiência, pronto para a difícil luta contra as atuais normas da referida sociedade. A capacidade de perdoar parece ser uma obrigatoriedade para a condição de passagem.

"Vocês querem voar tão grande a ponto de perdoar o bando, e aprender, e voltar a eles um dia e trabalhar para ajudá-los a se conhecer?" Fernão pergunta ao seu primeiro aluno antes de iniciar as conversações. A idéia de que os mais fortes podem atingir mais por deixar para trás os mais fracos amigos parece totalmente rejeitada.

Daí, o amor e o perdão merecem respeito e parecem ser igualmente importantes para libertar-se da pressão de obedecer às regras apenas porque são comumente aceitas.


Filme




O livro marcou toda uma geração e também virou filme, sendo um grande sucesso.
Você tem a liberdade de ser você mesmo, você de verdade, aqui e agora, e nada pode impedir o seu caminho”.
Fernão Capelo Gaivota é uma visionária realização cinematográfica de impressionante beleza. Baseado no romance best-seller de Richard Bach, este eterno conto vai abrir seu coração para imaginar e desafiá-lo a sonhar.
Este filme indicado ao oscar apresenta uma trilha sonora ganhadora do grammy e do globo de ouro, do lendario Neil Diamont.


Fonte: Wikipedia / blog do leo / yahoo

Michael idolatrava James Brown



Antes de entrar para a carreira solo, Michael Jackson fazia imitações de James Brown em programas da TV americana, repetindo as performances ao lado do grupo Jackson Five, que o lançou no mundo da música.>>
Michael e James tinham uma admiração e respeito mútuo...Uma intimidade linda que a cada ano se destacava mais... Michael sempre deixou claro sua admiração ao artista.



Os dois subiram no palco juntos em diversas ocasiões como, por exemplo, em 1983 e em 2003. >>
Em 1983, Michael Jackson subiu ao palco com James Brown no Teatro Apollo em Los Angeles.





James disse que Michael era uma nova inspiração que havia surgido, chamou-o de humilde e talentoso e pediu que Michael fosse até o palco dizer alguma coisa. , Michael que havia ido ao show de James e sem ser percebido curtia animado a festa e é surpreendido quando James sorridente o chama ao palco declarando todo seu amor ao grande menino Michael, timidamente foi até lá e fez um breve agradecimento cantando e dançando em homenagem ao ídolo. ... Michael então canta I Love You.



Em 2003, foi a vez de Michael rasgar elogios a James referindo-se a ele, de forma emocionada, como um gênio, no BET Awards 24 de junho de 2003.



Video:
http://www.bet.com/Specials/michaelj...cksonbrown.htm

Michael Jackson se emociona em velório de James Brown





Michael Jackson, 48 anos, foi um dos 8500 presentes no velório de James Brown na cidade de Augusta, onde o músico passou toda a infância. Emocionado, ele chorou ao lado do caixão, causando burburinhos entre os fãs presentes.>>
Assim que chegou ao teatro James Brown Arena, Jackson abraçou o reverendo Al Sharpton enquanto a banda The Soul Generals - que costumava se apresentar com o "padrinho do soul" - iniciou sua performance. >>
> >Michael Jackson beijou a testa de James Brown e descreveu o astro da música soul como sua "maior inspiração".






Michael fez questão de prestar-lhe uma última homenagem com um discurso emocionado, revelando ser James Brown, sua maior inspiração.>>
Michael disse:





"O que eu vou dizer será breve, porém, direto. James Brown é minha maior inspiração. Desde que eu era criança, não mais de seis anos, minha mãe me acordava - não importava que horas eram, se estava dormindo, não importava o que estava fazendo - para ver na televisão o Mestre em seu trabalho.>>
E quando eu o via dançando, ficava impressionado!>>
Nunca vi um artista se apresentando como James Brown e, no mesmo momento, eu já sabia exatamente o que eu queria fazer pelo resto da vida por causa de James Brown.>>
James Brown, sentirei sua falta e eu te amo muito...>>
Obrigado por tudo. Deus te abençoe."


James Joseph Brown (originalmente James Joseph Brown Jr.), ou simplesmente James Brown (Barnwell, 3 de Maio de 1933 — Atlanta, 25 de Dezembro de 2006) foi um cantor, compositor e produtor musical norte-americano reconhecido como uma das figuras mais influentes do século XX na música, e que já vendeu pouco mais que 100 milhões de albuns.
Como um prolífico cantor, compositor, dançarino e bandleader, Brown foi uma força fundamental na indústria da música. Deixou sua marca em diversos artistas ao redor do mundo, influenciando até mesmo os ritmos da música popular africana, como o afrobeat, juju e mbalax, e forneceu o modelo para todo um subgênero do funk, o go-go. >>

Brown começou sua carreira profissional em 1956 e fez fama no fim da década de 1950 e começo da década de 1960 com a força de suas apresentações ao vivo e várias canções de sucesso. Apesar de vários problemas pessoais, continuou fazendo sucesso durante os anos 80. Além de sucesso como músico, Brown também teve presença nas questões políticas dos Estados Unidos durante os anos 60 e 70.>>
Brown foi conhecido por inúmeros apelidos, incluindo Soul Brother Number One, Sex Machine, Mr. Dynamite, The Hardest Working Man in Show Business, The King of Funk, Minister of The New New Super Heavy Funk, Mr. Please Please Please Please Her, I Feel Good, The Original Disco Man e principalmente The Godfather of Soul ("O Padrinho do Soul"). No livro "Sweet Soul Music" de Arthur Conley, ele é descrito como King of Soul ("Rei do Soul").




Infância>>
James Brown, cujos pais eram Susie Behlings e Joseph ("Joe") James Gardner (que mudou seu nome para Brown pois Mattie Brown o criou) na pequena cidade de Elko (Carolina do Sul) durante a Grande Depressão. Brown, que teria o nome do pai, acrecido de "Jr.", foi incorretamente registrado como James Joseph Brown, Jr. Quando criança, Brown era chamado de Junior. Quando mais tarde foi viver com a tia e um primo, ele passou a ser chamado de Little Junior pois seu primo também era chamado de Junior.>>
Brown e sua família viviam em extrema pobreza. Quando Brown tinha dois anos de idade, seus pais se separaram depois que sua mãe deixou seu pai para ficar com outro homem. Depois que a mãe abandonou a família, Brown continuou a vier com seu pai até a idade de seis anos. Depois desse período, Brown e seu pai se mudaram para Augusta (Geórgia).>>

Seu pai entregou Brown para uma tia, que administrava uma casa de prostituição. Embora Brown vivesse com parentes, passou longos períodos a própria sorte, perambulando pelas ruas.>>
Durante sua infância, Brown ganhava dinheiro engraxando sapatos, vendendo e trocando selos, lavando carros e louças além de cantar em concursos de talentos. Brown também fez shows para as tropas de Camp Gordon no começo da Segunda Guerra Mundial pois os comboios viajavam por uma ponte próxima à casa de sua tia. E assim, ganhando dinheiro nestas aventuras, Brown aprendeu a tocar gaita dada ele por seu pai. Tampa Red, famoso músico americano e que estava namorando uma das meninas da casa de sua tia, ensinou Brown a tocar guitarra; além disso, aprendeu com outros músicos a tocar piano e bateria. Brown quis se tornar artista após assistir Louis Jordan, um popular músico de jazz e R&B, se apresentado nos anos 40 com sua banda Tympany Five em um curta chamado "Caldonia".>>

Quando adulto, Brown mudou legalmente seu nome, removendo o "Jr.". Brown começou a praticar crimes em Augusta e na idade de 16 anos foi condenado por assalto a mão armada e enviado para um centro de detenção juvenil em Toccoa em 1949.>>
Enquanto estava na escola reformatória, conheceu Bobby Byrd, que viu Brown se apresentar na prisão. A família de Byrd ajudou em sua soltura antecipada após cumprir três anos de sua sentença. As autoridades concordaram em soltar Brown com a condição que ele conseguiria um emprego e não retornaria a Augusta ou Richmond County. Após tentar o boxe e ser arremessador em um time semi-profissional de beisebol (uma carreira interrompida por uma lesão na perna), Brown focou toda sua energia na música.>>

Carreira>>
A carreira de Brown atravessou décadas e influenciou profundamente o desenvolvimento de diferentes gêneros musicais. Brown se apresentou em concertos, primeiro na região Sul dos EUA, depois por toda a América e então pelo mundo todo, além de se apresentar em shows de televisão e filmes. Embora tenha contribuído com o mundo musical por seus vários sucessos, Brown tem o título de artista que mais colocou singles nas paradas da Billboard Hot 100 sem nunca atingir o número um desta parada.>>
1955: The Famous Flames>>

Em 1955, Brown e a irmã de Bobby Byrd, Sarah se apresentaram em um grupo chamado "The Gospel Starlighters". Eventualmente Brown se juntava ao grupo vocal de Bobby Byrd, the Avons, e Byrd transformou o som do grupo em secular rhythm and blues. Após o nome do grupo ter sido mudado para The Flames, Brown e o grupo de Byrd foram para o Sul, o chamado "chitlin' circuit". O grupo então assinou um contrato com o selo Federal Records de Cincinnati; selo do mesmo grupo da King Records.>>
A primeira gravação do grupo foi o single "Please, Please, Please" em 1956. O single atingiu o número 5 da parada R&B, vendendo mais de um milhão de cópias. Nove subsequentes singles lançados pelos The Flames falharam em atingir o mesmo sucesso do single de estreia, e o grupo passou a sofrer o risco de sair da King Records.>>

As primeiras gravações de Brown foram composições inspiradas no gospel-R&B, altamente influenciadas pelo trabalho de músicos como Ray Charles e Little Richard. A relação com Little Richard foram particularmente significantes no desenvolvimento como músico e showman. Quando Richard deixou a música pop em 1957 para se tornar pregador, Brown substituiu Richard nas datas restantes. Vários músicos que acompanhavam Little Richard se juntaram ao grupo de Brown depois que Richard deixou a cena.>>
Brown atribuia a criação do funk aos Upsetters.>>
Brown retornou as paradas em 1958 com o sucesso "Try Me". Este single foi o mais vendido entre os discos de R&B do ano, e se tornaria o primeiro de 17 canções que atingiriam o topo da parada R&B pelas próximas duas décadas. No lançamento de "Try Me" em disco, o nome do grupo passou a ser James Brown and The Famous Flames.>>

Em 1959, Brown e os Famous Flames se mudaram da Federal Records para a King Records. Brown começou a ter recorrentes conflitos com o presidente da King Records Syd Nathan, a respeito de repertório e outras questões. Em um notável acontecimento, Brown gravou o sucesso de 1960 "(Do the) Mashed Potatoes" na gravadora Dade Records, de propriedade de Henry Stone, sobre o pseudônimo de "Nat Kendrick & The Swans" porque Nathan se recusou a permitir que fosse gravado na King.>>


Começo dos anos 60>>
Brown entrou nas paradas no começo dos anos 60 com sucessos como a cover "Night Train" em 1962. Enquanto os singles de Brown eram grandes hits no chamado chitlin' circuit, no Sul dos EUA e na parada R&B Top Ten, ele os Famous Flames não tinham sucesso nacionalmente até a apresentação ao vivo gravada no LP de 1963 Live at the Apollo. Brown financiou por si próprio a gravação do álbum, que foi lançado pela King Records com objeções do dono da gravadora Syd Nathan, que não viu potencial comercial em um álbum ao vivo sem nenhuma canção nova. Apesar das expectativas de Nathan, o álbum ficou nas paradas pop por quatorze meses, aingindo o número 2. Em 1963 Brown uma versão da balada "Prisoner of Love" (seu primeiro sucesso a atingir o Top 20) e fundou (sob bons olhos da King Records) a incipiente Try Me Records, primeira tentativa de Brown em gerenciar uma gravadora.>>
Após o sucesso Live at the Apollo Brown lançou uma série de singles que, juntamente com o trabalho de Allen Toussaint em Nova Orleães, definiram a fundação da música funk. Com o sucesso de Live at the Apollo e o fracasso da King Records em expandir suas vendas diante do consumidor negro, James Brown e o amigo Bobby Byrd formaram uma companhia de produção, Fair Deal, para promover os discos de Brown perantes as plateias "brancas". Neste arranjo a Smash Records, uma subsidiária da Mercury Records foi usada como veículo para distribuir a música de Brown. A Smash lançou em 1964 "Out of Sight", que atingiu o número 24 nas paradas pop e apontou o caminho para o funk que viria a seguir. Este disco disparou uma batalha legal entre a Smash e a King.>>
Durante a metade dos anos 60, duas canções de Brown "Papa's Got a Brand New Bag" e "I Got You (I Feel Good)", ambas de 1965, foram sucessos tantos nas paradas pop como nas paradas R&B, sendo os singles mais vendidos por mais de um mês. Em 1966, "Papa's Got a Brand New Bag" venceu o Grammy na categoria "Melhor Gravação de Rhythm & Blues". Brown continuou ganhando fama com aparições em filmes como Ski Party e The T.A.M.I. Show, no qual ele e os Famous Flames (Bobby Byrd, Bobby Bennett e "Baby Lloyd" Stallworth) subiam ao palco com os The Rolling Stones.>>

Final dos anos 60>>
Enquanto a década de 60 chegava ao fim, Brown continuava a refinar o novo idioma do funk. A canção de 1967 (que atingiu o número 1 na parada R&B), "Cold Sweat", algumas vezes citadas como a primeira canção funk, foi a primeira a conter um solo de bateria conhecido como "drum break". Os arranjos instrumentais de faixas como "Give It Up Or Turnit A Loose" e "Licking Stick-Licking Stick" (ambas gravadas em 1968) e "Funky Drummer" (gravada em 1969) apresentava uma versão mais desenvolvida do estilo que Brown apresentava até a primeira metade dos anos 60, com a sessão de sopro, guitarras, baixo e bateria misturados em intricados padrões e múltiplos riffs.>>
As mudanças no estilo de Brown que começaram com "Cold Sweat" também estabeleceram os fundamentos de outros sucessos de Brown, como "I Got the Feelin'" (196 e "Mother Popcorn" (1969). Nesta época os vocais de BRown frequentemente tomavam a forma de um tipo de declamação rítmica, nem totalmente cantada nem totalmente falada. Isto se tornaria uma grande influência nas técnicas de fazer rap das décadas vindouras.>>

Em Novembro de 1967 James Brown comprou a estação de rádio WGYW em Knoxville por $75.000, de acordo com a revista Record World de 20 de Janeiro de 1968. As letras que identificavam a rádio foram mudadas para WJBE refletindo suas iniciais. A WJBE começou a operar em 15 de Janeiro de 1968 transmitindo Rhythm & Blues. O slogan da estação era "WJBE 1430 Raw Soul".>>
As gravações de Brown influenciaram artistas em toda a indústria musical, mais notadamente Sly Stone e sua Sly & the Family Stone, Charles Wright & the Watts 103rd Street Rhythm Band, Booker T. & the M.G.'s e cantores de soul como Edwin Starr, The Temptations, David Ruffin e Dennis Edwards. O então pubescente Michael Jackson levou os gritos e dança de James para o mainstream como líder dos The Jackson 5 da gravadora Motown. Estas mesmas faixas foram mais tarde ressucitadas por incontáveis músicos de hip-hop à partir dos anos 70. Como resultado, James Brown permanece até os dias de hoje como o artista mais sampleado da história com "Funky Drummer" sendo a peça musical mais sampleada de todos os tempos.>>
A banda de James durante este período empregou músicos e arranjadores vindos da tradição do jazz. James é citado pela sua habilidade como líder de banda e compositor misturando a simplicidade do R&B com a complexidade rítmica e precisão do jazz. O trompetista Lewis Hamlin e o saxofonista/tecladista Alfred "Pee Wee" Ellis lideravam a banda. O guitarrista Jimmy Nolen provinha riffs simples e percussivos em cada canção, além dos solos de saxofone de Maceo Parker. Outros membros da banda de James incluíam seu braço-direito Bobby Byrd, os bateristas John "Jabo" Starks, Clyde Stubblefield e Melvin Parker (irmão de Maceo), o saxofonista St. Clair Pinckney, o trombonista Fred Wesley, o guitarista Alphonso "Country" Kellum e o baixista Bernard Odum.>>

Durante este período, o império musical de Brown cresceu e expandiu sua influência na cena musical. Enquanto o império de Brown crescia seu desejo por independência financeira e musical também cresciam. Brown comprou estações de rádio no final dos anos 60, inluindo a WRDW emn Augusta, Georgia onde ele engraxava sapatos quando criança. Brown também gravou diversas canções com outros músicos. Gravou Gettin' Down To It (1969) e Soul on Top (1970), dois álbuns em sua maioria de baladas românticas e jazz, com o Dee Felice Trio e Louie Bellson Orchestra respectivamente. Gravou faixas com os Dapps, uma banda "branca" de Cincinnati, incluindo o hit "I Can't Stand Myself (When You Touch Me)". Também gravou três álbuns de canções natalinas com sua banda.

Anos 70 e o J.B.
Por volta de 1970, a maioria dos membros da banda de James em sua formação clássica tinha deixado a banda em busca de outras oportunidades, o grupo The Famous Flames também tinha acabado, com apenas o membro original Bobby Byrd permanecendo com Brown. Brown e Byrd contrataram uma nova banda que incluía futuros astros do funk, como o baixista Bootsy Collins, o irmão de Collins, o guitarrista Phelps "Catfish" Collins e o trombonista e diretor musical Fred Wesley. Esta nova banda foi chamada de "The J.B.'s" e fez sua estréia no single de 1970 "Get Up (I Feel Like Being A) Sex Machine". Embora os The J.B.'s tenham passado por diversas mudanças, com a primeira ocorrendo em 1971, foi a banda mais conhecida de James.>>
Em 1971, Brown começou a gravar pela Polydor Records que passara também a distribuir os discos do catálogo da King Records. Muitos amigos e músicos de apoio, como Fred Wesley & The J.B.'s, Bobby Byrd, Lyn Collins, Vicki Anderson e Hank Ballard, lançaram discos pela People Records, um selo fundado por Brown e que foi comprado pela Polydor como parte do novo contrato de James. A maioria das gravações feitas na People tinha a produção do próprio James Brown. Canções como "I Know You Got Soul" de Bobby Byrd, "Think (About It)" de Lyn Collins e "Doing It to Death" de Fred Wesley & The J.B.'s são consideradas parte do legado de Brown assim como as gravações lançadas sob seu próprio nome.>>
Em 1973, Brown fez as canções para o filme blaxploitation Black Caesar. Em 1974, fez uma turnê pela Africa e se apresentou no Zaire como parte da famosa The Rumble in the Jungle, a luta entre Muhammad Ali e George Foreman. Admiradores da música de Brown, incluindo Miles Davis e outros músicos de jazz, começaram a citar Brown como grande influência em seus próprios estilos. Entretanto, Brown, como outros que eram influenciados por suas músicas, também era influenciado por outros. O single de 1976 "Hot (I Need To Be Loved, Loved, Loved, Loved)" (número 31 da parada R&B) emprestou o riff principal da canção "Fame" de David Bowie, não ao contrário como muitos pensam.>>

As gravações de Brown pela Polydor durante os anos 70 exemplificam as inovações de James nos 20 anos precedentes. Composições como "The Payback" (1973), "Papa Don't Take No Mess", "Stoned to the Bone" e "Funky President (People It's Bad)" (1974) e "Get Up Offa That Thing" (1976) estão entre as mais notáveis gravações durante este período.>>
Final dos anos 70 e 80>>

Pela metade dos anos 70, o status de estrela de Brown estava em decadência, e os músicos chaves de sua banda como Fred Wesley o deixaram para se juntar ao Parliament-Funkadelic. O estilo disco pegou Brown de "guarda baixa" e anulou o estilo de puro funk nas pistas de dança. Seus álbuns de 1976 Get Up Offa That Thing e Bodyheat foram as primeiras aproximações de Brown ao ritmo da disco e as habilidosas produções. Enquanto os álbuns Mutha's Nature (1977) e Jam 1980s (197 não geraram nenhum sucesso nas paradas, o LP de 1979 The Original Disco Man (um albúm de Disco Music) fez da canção "It's Too Funky in Here", seu último sucesso da década. Importante dizer que The Original Disco Man foi o único álbum que não foi produzido pelo próprio Brown; neste caso foi produzido por Brad Shapiro.>>

O contrato de Brown com a Polydor expirou em 1981, e sua agenda de gravações de turnês estava reduzida. Apesar destes eventos, Brown experimentou um ressurgimento durante os anos 80, aparecendo em filmes como The Blues Brothers, Doctor Detroit e Rocky IV, assim como uma participação especial em Miami Vice no episódio "Missing Hours" (198. Também gravou Gravity, um álbum tanto quanto popular, lançado pela Scotti Bros., e o single de 1985 "Living in America", que fazia parte da trilha-sonora do filme Rocky IV. Em 1987, Brown venceu o Grammy por Melhor Vocal Masculino de R&B por "Living in America". Brown ainda colaborou com o artista de hip-hop Afrika Bambaataa no single "Unity".>>

Em 1988, Brown trabalhou com o time de produtores do grupo Full Force no álbum I'm Real, álbum este altamente influenciado pelo hip-hop, e que conseguiu colocar o single "Static" em número 5 na parada R&B. Enquanto isso o remix de "Give It Up Or Turnit A Loose", originalmente gravado em 1969 e presente na compilação In the Jungle Groove se tornou tão popular em pistas de hip-hop que um dos fundadores do hip-hop, Kurtis Blow chamou a canção de "o hino nacional do hip-hop".>>
Anos 90 e 2000>>

Depois de uma temporada na prisão no fim dos anos 80, Brown lançou o álbum Love Overdue com um novo single "Move On". A Polydor também lançou em 1991 um box com quatro CDs chamado Star Time. Quase todos os discos de James foram relançados em CD, sempre com faixas adicionais e comentários de especialistas. Em 1991, Brown apareceu no vídeo de MC Hammer "Too Legit to Quit" (ou "2 Legit 2 Quit"). Em 1993, James Brown lançou o álbum Universal James com os singles "Can't Get Any Harder", "How Long" e "Georgia-Lina". Em 1995, o álbum ao vivo Live at the Apollo 1995 foi lançado, apresentando uma nova faixa de estúdio "Respect Me", que foi lançada com single naquele mesmo ano. Os últimos LPs de Brown durante este período foram I'm Back de 1998 com o single "Funk on ah Roll", e o álbum de 2002 The Next Step com o single "Killing is Out, School is In", ambos de produzidos e co-escritos por Derrick Monk.>>
Apesar de alguns problemas com a lei, James continuou a se apresentar e gravar regularmente, e fez aparições em programas de televisão, filmes como Blues Brothers 2000 e eventos esportivos.>>
James Brown Revue>>

Por muitos anos, os shows da turnê de Brown eram as mais extravagantes produções na América. Na época de sua morte, sua banda incluía três guitaristas, dois baixistas, dois bateristas, três na sessão de sopro. Brown empregava entre 40 e 50 pessoas para a turnê James Brown Revue, que chegava a 330 shows por ano. >>

Introdução ao show>>

Antes de James Brown entrar no palco, seu mestre de cerimônias pessoal lhe dava uma elaborada introdução, citando as alcunhas de Brown e suas principais canções. A introdução de Fats Gonder, captada no álbum de 1963 Live at the Apollo, é um exemplo representativo:>>
So now ladies and gentlemen it is star time, are you ready for star time? Thank you and thank you very kindly. It is indeed a great pleasure to present to you at this particular time, national and international[ly] known as the hardest working man in show business, the man that sings "I'll Go Crazy" … "Try Me" … "You've Got the Power" … "Think" … "If You Want Me" … "I Don't Mind" … "Bewildered" …the million dollar seller, "Lost Someone" … the very latest release, "Night Train" … let's everybody "Shout and Shimmy" … Mr. Dynamite, the amazing Mr. Please Please himself, the star of the show, James Brown and The Famous Flames!! >>


Entre os MCs que trabalharam com Brown em sua turnê durante os anos, o mais famoso foi Danny Ray, que apareceu no palco com ele durante 30 anos.>>
Repertório e formato>>

As apresentações de James Brown eram famosas pela intensidade e duração. Seu objetivo pessoal era "dar as pessoas mais do que elas vieram buscar — fazê-las cansar, porque é para isso que elas vieram.'" O repertório dos shows consistia em sua maioria de seus próprios sucessos e canções mais recentes, com algumas covers. Brown dançava vigorosamenteenquanto cantava, fazendo passos de dança, entre eles o famoso Mashed Potato. Além disso, os músicos e cantores de apoio (The Famous Flames) apresentavam danças coreografadas, e nas últimas apresentações, a turnê incluía dançarinos. Brown exibia roupas extravagantes e cabelos perfeitamente cortados que completavam o visual.>>
Um concerto de James Brown tipicamente incluíam artistas convidados como Vicki Anderson ou Marva Whitney, e uma faixa instrumental apenas com a banda, que muitas vezes servia como abertura para o show. Embora Brown tenha lançado muito álbuns ao vivo, o álbum Say It Live & Loud: Live in Dallas 08.26.68, lançado pela Polydor em 1998, foi o único que captou um show do começo ao fim.>>

A capa>>

Uma das marcas registradas dos shows de James era que durante a canção "Please, Please, Please", Brown caía de joelhos enquanto segurava o microfone, enquanto o MC jogava uma capa sobre seus ombros e o escoltava para fora do palco enquanto os Famous Flames continuavam cantando "Please, please don't go-oh-oh". Brown então tirava a capa e entrava novamente no palco para o encerramento. Esta "encenação" foi repetida muitas vezes e pode ser vista durante os créditos finais de Blues Brothers 2000.>>
A encenação da capa de Brown foi inspirada por uma encenação similar feita pelo lutador de wrestlingGorgeous George. >>

O líder da banda>>

Brown exigia extrema disciplina, perfeição e precisão de seus músicos e dançarinos — inclusive durante os ensaios para as turnês, as pessoas deveriam usar o mesmo "uniforme" ou "vestimenta" que usariam durante os shows. Durante uma entrevista conduzida por Terri Gross durante o segmento "Fresh Air" da rádio NPR, Maceo Parker, um antigo saxofonista da banda de Brown durante os anos 60, 70 e 80 contava sua experiência em relação as exigências que Brown fazia da banda:>>
Você tinha que ser pontual. Tinha que ter seu uniforme. Suas coisas tinham que estar intactas. Tinha que ter sua gravata borboleta. Você tinha que tê-la. Você não podia aparecer sem a gravata borboleta. Os sapatos deveriam estar engraxados. Você tinha que ter suas coisas. Isto é o que Brown esperava.>>


Brown tinha outras regras em relação a sua banda, inclusive com aplicação de multas a quem quebrasse suas regras como calçar sapatos não engraxados, dançar fora da sincronia e entrar atrasado no palco. Durante algumas de suas apresentações, Brown dançava em frente a sua banda com as costas voltadas para a plateia enquanto deslizava pelo palco, fazendo sinais com as mãos e dedos na batida da música. Embora a plateia pensasse que isto fazia parte da dança, esta prática na verdade tinha o intuito de apontar o membro da banda que tinha tocado ou cantado fora do tom ou cometido outra infração. Brown usava sinais com as mãos para alertar o músico que teria que pagá-lo por quebrar suas regras.

Ativismo Social

A inquietação civil e auto-capacitação>>

Durante o final dos anos 60 e começo dos anos 70, James Brown foi reconhecido por seu trabalho social. Em 1966, ele lançou o single "Don't Be a Drop-Out" como uma lição para estudantes jovens que tinham a intenção de desistir dos estudos. Mais tarde fez discursos para dezenas de crianças lembrando a importância da educação na escola. Em 1967, lnaçou um single patriótico, "America is My Home", que era um "rap" sobre como ele via as pessoas, particularmente a comunidade afro-americana, que estava negligenciando o país que poderia dar-lhes oportunidades e explicando como em um momento ele estava engraxando sapatos e à seguir, cumprimentando o Presidente dos EUA, como fez com o Presidente Lyndon B. Johnson quando de seu encontro para a doação de dinheiro para programas de prevenção de abandono escolar.>>

Um ano mais tarde, se apresentou em Boston um dia depois da morte de Martin Luther King, Jr.. É dado crédito a James Brown por evitar uma revolta naquela cidade devido a esta apresentação. A história é documentada no filme "The Night James Brown Saved Boston".>>
Após isso, o Presidente Johnson solicitou a Brown para visitar Washington, D.C. e cumprimentar moradores do centro da cidade se apresentando em um concerto beneficente e expressando a noção de que a violência "não era o cmainho a seguir". Muitos da comunidade negra sentiam que Brown se comunicava com eles mais do que qualquer outro líder do país, um sentimento que foi fortalecido com o lançamento do single, "Say It Loud - I'm Black and I'm Proud".>>

Brown continuou a se apresentar em vários concertos beneficentes pelos direitos civis, incluindo a organização PUSH de Jesse Jackson e o partido dos Panteras Negras. Brown também continuou a lançar singles com profundo conteúdo social: "I Don't Want Nobody To Give Me Nothing (Open Up the Door, I'll Get It Myself)" (1969), "Get Up, Get Into It, Get Involved" (1971), "Talking Loud and Saying Nothing" (1972), "King Heroin" (1974), "Funky President (People It's Bad)" (1974) e "Reality" (1975). Na semana anterior a sua morte, Brown levou presentes para crianças em um orfanato de Atlanta.>>
Vida pessoal>>

No fim de sua vida, James Brown vivia em Beech Island, Carolina do Sul. James Brown foi diagnosticado com diabete no estágio inicial de sua vida. Brown foi também diagnosticado com câncer de próstata, que foi tratado cirurgicamente com sucesso. Apesar de sua saúde, Brown mantinha sua reputação como o "homem que mais trabalhava no show business" mantendo-se com sua agenda esgotante.>>
Casamentos e crianças>>

Brown foi casado quatro vezes — Velma Warren (19 de Junho de 1953–1969, divórcio), Deidre "Deedee" Jenkins (22 de Outubro de 1970–10 de Janeiro de 1981, divórcio), Adrienne Lois Rodriguez (nascida em 9 de Março de 1950) (1984–6 de Janeiro de 1996, morte da esposa) e Tomi Rae Hynie (Dezembro de 2001–2006, sua morte). Destes e outros relacionamentos, James Brown teve cinco filhos — Teddy Brown (1954-1973), Terry Brown e Larry Brown, Daryl Brown (membro da banda) e James Joseph Brown III, e mais quatro filhas — Lisa Brown, Dr. Yamma Noyola Brown Lumar, Deanna Brown Thomas e Venisha Brown. Brown também tinha oito netos e quatro bisnetos. O filho mais velho de Brown, Teddy morreu em um acidente de carro em 14 de Junho de 1973. >>
De acordo com um artigo de 22 de Agosto de 2007 publicado pelo jornal britânico The Daily Telegraph, testes de DNA indicaram que Brown também era pai de, pelo menos três filhos ilegítimos. A única identificada foi LaRhonda Pettit (nascida em 1962), uma ex-aeromoça e professora aposentada que vive em Houston. >>

A Controvérsia Brown-Hynie>>

Muita controvérsia cercou o casamento de Tomi Rae Hynie e James Brown que aconteceu em Dezembro de 2001, e que foi oficializado pelo Reverendo Larry Fryer.[41] Advogado de longa data de Brown, Albert "Buddy" Dallas, informou que o casamento entre Brown e Hynie não era válido pois Hynie era casada na época com Javed Ahmed, um paquistânes que Hynie alegava ter se casado com ela por um green Card. Embora Hynie alegasse que seu casamento com Javed Ahmed tivesse sido anulado, a anulação só aconteceu em Abril de 2004. >>
Paternidade de James Brown II>>

Em uma entrevista a CNN, Debra Opri, outra advogada da família Brown, revelou a Larry King que Brown queria que um teste de DNA fosse feito após sua morte para confirmar a paternidade de James Brown II — não pela segurança de Brown, mas pela segurança de outros membros da família. >>
Questões jurídicas>>

A vida pessoal de Brown foi marcada por vários problemas com a lei. Na idade de 16 anos, foi preso por roubo e ficou 3 anos na prisão. Em 1988, Brown foi preso após uma perseguição de carro em alta velocidade na Interestadual 20 indo da Georgia até a divisa com a Carolina do Sul. Ele foi acusado de transportar uma pistola sem licença e agredir um policial, juntamente com droga e outros delitos. Embora tenha sido condenado a seis anos de prisão, foi finalmente solto 1991 depois de cumprir apenas três anos de sua sentença. Em outro incidente, policiais foram chamados à residência de Brown em 3 de Julho de 2000, depois que foi acusado de atacar com uma faca um empregado da empresa de energia elétrica durante uma visita técnica. >>

Durante os anos 1990 e 2000, Brown foi repetidamente preso por violência doméstica. Foi preso quatro vezes entre meados da década de 1980 e meados de 1990 sob a acusação de agressão contra Adrienne Rodriguez, sua terceira esposa. Em Janeiro de 2004, Brown foi preso na Carolina do Sul acusado de violência doméstica contra Tomi Rae Hynie que o acusou de derrubá-la no chão após uma discussão, e que resultou em escoriações em seu braço direito e quadris. Brown pagou fiança de $1087.

Morte e Consequências




Em 23 de Dezembro de 2006, James Brown, doente, apareceu no escritório do seu dentista em Atlanta, Geórgia várias horas depois do horário marcado para um implante dentário. Durante esta visita, o dentista de Brown observou que ele parecia "muito mal… fraco e tonto". Ao invés de fazer o implante, o dentista recomendou que Brown fosse ao médico imediatamente. >>
Brown foi ao Hospital Crawford Long na Universidade de Emory em Atlanta em 24 de Dezembro de 2006 para uma avaliação médica de suas condições, e deu entrada neste hospital para observação e tratamento.[ De acordo com Charles Bobbit, amigo e agente de longa data, Brown tinha estado doente e com tosse desde de seu retorno de uma viagem a Europa em Novembro. Bobbit acrescentou que era característico de Brown nunca contar ou reclamar a alguém sobre estar doente, inclusive durante shows. Embora Brown tivesse cancelado shows em Waterbury (Connecticut) e Englewood, Brown estava confiante que o médico iria dispensá-lo do hospital a tempo de realizar shows na véspera do Ano Novo.>>
Para as celebrações de Ano Novo, Brown estava agendado para se apresentar no Teatro Count Basie em Nova Jérsei e no B. B. King Blues Club em Nova Iorque, além disso faria uma apresentação ao vivo na CNN no programa especial de fim de Ano de Anderson Cooper. No entanto, Brown permaneceu internado e seu estado de saúde piorou ao longo desse dia.>>

Em 25 de Dezembro de 2006, Brown morreu aproximadamente a 1:45 da manhã insuficiência cardíaca resultante de complicações da pneumonia, estando ao seu lado, seu agente Frank Copsidas e seu amigo Charles Bobbit. De acordo com Bobbit, Brown proferiu as palavras "Estou indo embora esta noite".>>
Funeral>>

Após a morte de Brown, parentes e amigos, muitas celebridades e milhares de fãs compareceram aos funerais realizado no Apollo Theater em Nova Iorque em 28 de Dezembro de 2006 e na James Brown Arena em 30 de Dezembro de 2006 em Augusta. Um funeral separado também ocorreu na cidade de North Augusta, Carolina do Sul em 29 de Dezembro de 2006, onde compareceram amigos e a família. Algumas das celebridades que compareceram aos funerais: Michael Jackson, Joe Frazier, Dick Gregory, MC Hammer, Jesse Jackson, Bootsy Collins, LL Cool J, 50 Cent e Don King. Todos os funerais foram presididos pelo reverendo Al Sharpton. >>

Sharpton afirmou que o próprio James Brown havia pedido, antes de morrer, que Michael Jackson estivesse presente em seu funeral em Augusta. O reverendo disse ainda que o mundo inteiro mudou de ritmo por causa de James Brown.>>
O funeral em Augusta foi o terceiro evento dedicado à memória de James Brown nos últimos dias. Na quinta-feira, milhares de fãs se reuniram no teatro Apollo, em Nova York, onde Brown estreou nos palcos em 1956 e gravou uma série de discos ao vivo.


Último desejo e Testamento>>

James Brown assinou seu testamento em 1° de Agosto de 2000, perante o advogado Strom Thurmond, Jr. Albert "Buddy" Dallas foi nomeado como um dos três representantes pessoais dos imóveis de Brown. O testamento de Brown cobria seus bens pessoais, como roupas, carros e jóias, direitos de música e a empresa James Brown Enterprises. >>

Durante a leitura do testamento em 11 de Janeiro de 2007, Thurmond revelou que os seis filhos adultos de Brown (Terry Brown, Larry Brown, Daryl Brown, Yamma Brown Lumar, Deanna Brown Thomas e Venisha Brown) estavam no testamento. Hynie e James II não estavam inclusos. O testamento de Brown foi assinado 10 meses antes do nascimento de James II e mais de um ano antes do casamento de James com Tomi Rae Hynie. >>

Em 24 de Janeiro de 2007, os filhos de Brown abriram um processo contra os representantes pessoais dos imóveis de Brown. Em sua petição, pediam a côrte para remover os representantes dos imóveis de seu pai (incluindo o advogado de Brown e Albert "Buddy" Dallas) e que fosse apontado um novo administrador. >>
Enterro em local temporário>>

Após os serviços funerários públicos o corpo de James Brown permaneceu no caixão em uma sala com temperatura controlada. O caixão de Brown mais tarde mudou-se para um local desconhecido, enquanto seus filhos e Tomi Rae Hynie se envolveram em disputas sobre o lugar de descanso final de Brown e assuntos relacionados ao seu testamento. Mais de dez semanas após a morte de Brown, os filhos e Hynie decidiram onde o corpo ficaria temporariamente. Brown foi enterrado em 10 de Março de 2007 em uma cripta na casa de Deanna Brown Thomas, uma das filhas de Brown. >>
De acordo com a família de James, o corpo permanecerá enterrado neste local temporário até que um mausoléu seja construído. Para transformar o local de descanso de Brown em uma atração para visitantes, a família de Brown planeja consultar a família de Elvis Presley no sentido de converter o local em atração similar a Graceland. >>

Segundo o Daily Mirror, a filha do cantor e compositor norte-americano James Brown afirmou que o corpo de seu pai foi roubado. LaRhonda Pettit, disse ainda que descobriu o ocorrido quando a família decidiu que realizaria uma autópsia no corpo de Brown porque sua morte foi um tanto confusa para os parentes.


Premiações


James Brown recebeu uma variedade de premiações e honras durante sua vida e até após sua morte. Em 1993, o conselho da cidade de of Steamboat Springs no Colorado fizeram uma votação entre os residentes para escolher um novo nome para a ponte que cruzava o rio Yampa. O nome vencedor com 7.717 votos foi "James Brown Soul Center of the Universe Bridge". James Brown apareceu na cerimônia de inauguração do evento. Alguns moradores fizeram uma petição para que o nome fosse revertido para o original "Stockbridge" por razões históricas, mas logo desistiram pela popularidade do nome de James Brown. Brown retornou à Steamboat Springs em 4 de Julho de 2002 para uma apresentação ao ar-livre ao lado de outras bandas como String Cheese Incident.

Em 1983, Brown foi indicado ao "Georgia Music Hall of Fame". Além disso, Brown foi um dos primeiros homenageados no Rock and Roll Hall of Fame, durante o jantar inaugural 23 de Janeiro de 1986. Em 25 de Fevereiro de 1992, Brown foi premiado com o Lifetime Achievement Award na 34ª edição do Grammy Awards. Exatamente um ano mais tarde, recebeu um prêmio na quarta edição do Rhythm & Blues Foundation Pioneer Awards. Uma cerimônia foi realizada em 10 de janeiro de 1997 para homenageá-lo com uma estrela na Calçada da Fama.
Em 15 de junho de 2000, Brown foi um dos indicados para o New York Songwriters Hall of Fame. Em 14 de Novembro de 2006, Brown foi indicado para o UK Music Hall of Fame, e foi um dos que se apresentaram na cerimônia.
Brown também foi honrado na cidade de Augusta na Geórgia por sua atividades filantrópicas e civis. Em 20 de Novembro de 1993, o prefeito de Augusta Charles DeVaney homenageou James com a inauguração do "James Brown Boulevard". Em 6 de Maio de 2005, como presente pelo seu 72° aniversário, Brown recebeu da cidade de Augusta uma estátua de bronze em tamanho natural na rua Broad.

Durante a 49º edição do Grammy Awards que aconteceu em 11 de Fevereiro de 2007, a famosa capa de James Brown foi colocada sobre um microfone por Danny Ray (seu M.C. por mais de 30 anos). Durante o mesmo evento, Christina Aguilera cantou um dos sucessos de Brown, "It's a Man's Man's Man's World".
Em 22 de Dezembro de 2007, a premiação "Tribute Fit For the King of King Records" em honra a James Brown aconteceu no Madison Theater em Covington no Kentucky. O tributo, organizado por Bootsy Collins, teve apresentações de Afrika Bambaataa, Chuck D do Public Enemy, The Soul Generals, Buckethead, Freekbass e Triage. Comediante Michael Coyer foi um dos apresentadores do evento. Durante o show, o prefeito de Cincinnati proclamou dia 22 de Dezembro como "James Brown Day".[71] Tem sido comentado que um filme com a biografia de James Brown está a caminho e que Spike Lee seria o diretor.

Álbuns notáveis
Quatro dos álbuns de James Brown aparecem na lista de 2003 da revista Rolling Stone, os 500 maiores álbuns de todos os tempos: >>
Live at the Apollo (1963)
In the Jungle Groove (1986)
Star Time (1991)
20 All-Time Greatest Hits! (1991)
Além disso, o álbum duplo de 1970 Sex Machine ficou na 96ª posição da lista dos 100 maiores álbuns de todos os tempo apresentada pelo canal britânico Channel 4. Outros álbuns de Brown assim como de sua banda, The J.B.'s serviram de fonte para milhares de samples, incluindo:>>
Get On the Good Foot (1972)
The Payback (1974)
Hell (1974)
O disco duplo de 1968 Live at the Apollo, Vol. II foi notavelmente influente para os músicos de sua época e permanece como um exemplo clássico de energia e interação com a platéia, assim como um documento vivo da transformação de sua música do R&B para o funk.


Singles notáveis
Até o começo dos anos 70, Brown era famoso muito mais pelos seus shows e singles, do que pelos seus álbuns (seus LPs ao vivo eram uma exceção). Seis dos seus singles aparecem na lista de 2004 da revista Rolling Stone, as 500 maiores canções de todos os tempos:
"Papa's Got a Brand New Bag" (1965)
"I Got You (I Feel Good)" (1965)
"It's a Man's Man's Man's World" (1966)
"Please, Please, Please" (1956)
"Say It Loud - I'm Black and I'm Proud"
"Get Up (I Feel Like Being a) Sex Machine" (1970)
Relançamento de singles
Em 2006, a Hip-O Select Records iniciou o relançamento completo de todos os singles de James Brown (lados A e B) em CD. Até Outubro de 2009, oito volumes tinham sido lançados: The Federal Years: 1956-1960, The Singles: 1960-1963, The Singles: 1964-1965, The Singles: 1966-1967, The Singles: 1967-1969, The Singles: 1969-1970, The Singles: 1970-1972 e The Singles: 1972-1973.>>

Filmografia>>

The T.A.M.I. Show (1964) (documentário) >>
Ski Party (1965) >>
The Phynx (1970) >>
Black Caesar (1973) (trilha sonora) >>
Slaughter's Big Ripoff (1974) (trilha-sonora) >>
The Blues Brothers (1980) >>
Doctor Detroit (1983) >>
Rocky IV (1985) >>
When We Were Kings (1996) (documentário) >>
Soulmates (1997) >>
Blues Brothers 2000Holy Man
Undercover Brother (2002) >>
The Tuxedo (2002) >>
The Hire: Beat The Devil (2002) (curta) >>
Paper Chasers (2003) (documentário) >>
Sid Bernstein Presents… (2005) (documentário) >>
Glastonbury (2006) (documentário) >>
Life on the Road with Mr. and Mrs. Brown (2007) (documentário ainda sem lançamento definido) >>
I Got The Feelin': James Brown in the '60s (box com 3 DVDs apresentando os filmes: The Night James Brown Saved Boston, Live At The Boston Garden 1968 e Live At The Apollo '68. >>
Soul Power (2009) (documentário) >>

Fontes: wikipédia / BBC do Brasil / MJ Genius

Gene Kelly: mais uma inspiração para Michael





Ele também lhe fez muitos elogios depois daquela memorável apresentação da
Motown 25 anos em 1983.
Michael conta em "Moonwalk" que Gene Kelly foi a sua casa para
cumprimentá-lo pela performance de "Billie Jean". Gene disse a Michael que
gostou muito da maneira de sua dança.
Gene disse:
"Ele sabe quando parar e quando disparar, como um relâmpago"
"Ele tem muita energia"
Michael conta também que teve a sensação de que havia se integrado a uma
nova fraternidade: a dos dançarinos, o que o deixou muito honrado porque
eram as pessoas que mais admirava no mundo.





Gene Kelly

Eugene "Gene" Curran Kelly (Pittsburgh, 23 de agosto de 1912 — Beverly
Hills, 2 de fevereiro de 1996) foi um dançarino, ator, cantor, diretor,
produtor e coreógrafo norte-americano.

Iniciou bem cedo sua carreira na Broadway, com uma aparição no espetáculo
"Leave It To Me", de Cole Porter, fazendo o papel de um esquimó, ao lado
de Mary Martin.
Ao lado de Fred Astaire, Kelly foi um dos expoentes enquanto os Musicais
eram o estilo preferido de Hollywood. Foi ator, diretor, produtor e
coreógrafo em várias peças e filmes, com passagem pela televisão
norte-americana.



Seu pai foi empresário, nos anos 20, de Al Jolson, a primeira pessoa que
cantou numa tela de cinema (e que, por isso, foi mencionado em “Cantando
na Chuva”). Depois de se graduar na Universidade de Pittsburgh, mudou-se
para Nova York onde entrou no mundo do espetáculo pela porta dos fundos,
como bailarino na Broadway. Em 1940, consegue o papel principal na
montagem de “Pal Joey”. E logo se abre os estúdios de Hollywood.
Gene Kelly recebeu inúmeros prêmios e homenagens, entre os quais se
destacam o Oscar honorário, em 1952, “por sua versatilidade como ator,
cantor, diretor e bailarino.”
Seu trabalho mais conhecido, verdadeiro clássico dos musicais, é Cantando
na chuva, do qual também foi diretor.



O corpo que dança, o porte atlético, o eterno sorriso. Kelly é um dos
grandes ícones do cinema.
Em 1992, colaborou com Madonna como coreógrafo consultor na turnê “Girlie
Show”. Kelly trabalhava em sua autobiografia quando morreu em 2 de
fevereiro de 1996, em consequência de complicações provocadas por um AVC.

No teatro
Como ator
Leave It to Me (193
One for the Money (1939)
The Time of Your Life (1939)
The Time of Your Life (1940) (segunda temporada) (também coreógrafo)
Pal Joey (1940)

Fora do palco
Best Foot Forward (1941) (coreógrafo)
Flower Drum Song (195 (diretor)
Coquelico (1979) (produtor)

Filmografia
Como ator
For Me and My Gal (1942)
Pilot (1943)
Du Barry Was a Lady (1943)
Thousands Cheer (1943)
A Cruz de Lorena (1943)
Cover Girl (1944)
Christmas Holiday (1944)
Anchors Aweigh (film) (1945) (também coreógrafo)
Ziegfeld Follies (1946)
Living in a Big Way (1947)
The Pirate (194 (também coreógrafo)
The Three Musketeers (194
Words and Music (194
Take Me Out to the Ball Game (1949) (também coreógrafo)
On the Town (1949)
Black Hand (1950)
Summer Stock (1950)
An American in Paris (1951)
It's a Big Country (1951)
Council of Europe (1952) (pequena aparição) (narrador)
Love Is Better Than Ever (1952)
Singin' in the Rain (1952) (também coreógrafo)
The Devil Makes Three (1952)
Brigadoon (1954) (tambémCrest of the Wave (1954)
Deep in My Heart (1954)
1955 Motion Picture Theatre Celebration (1955) (pequena aparição)
It's Always Fair Weather (1955) (também coreógrafo)
The Magic Lamp (1956) (pequena aparição) (voz)
Invitation to the Dance (1956) (também coreógrafo)
The Happy Road (1957)
Les Girls (1957)
Marjorie Morningstar (195
Inherit the Wind (1960)
Let's Make Love (1960) (Cameo)
What a Way to Go! (1964) (também coreógrafo)
The Young Girls of Rochefort (1967)
40 Carats (1973)
Just One More Time (1974) (pequena aparição)
That's Entertainment! (1974) (narrador)
The Lion Roars Again (1975) (pequena aparição)
That's Entertainment, Part II (1976) (narrador)
Viva Knievel! (1977)
Xanadu (1980)
Reporters (1981) (documentário)
That's Dancing! (1985) (narrador) (também produtor executivo)
The Young Girls Turn 25 (1993) (documentário)
That's Entertainment! III (1994) (narrador coreógrafo)
Como diretor

Gene Kelly no filme Inherit the WindOn the Town (1949) (com Stanley Donen)
An American in Paris (1951) (diretor da seqüência introdutória)
Singin' in the Rain (1952) (com Stanley Donen)
It's Always Fair Weather (1955) (com Stanley Donen)
Invitation to the Dance (1956)
The Happy Road (1957) (também produtor)
The Tunnel of Love (195
Gigot (1962)
A Guide for the Married Man (1967)
Hello, Dolly! (1969)
The Cheyenne Social Club (1970) (também produtor)
That's Entertainment, Part II (1976) (diretor de algumas seqüências)
Televisão
Going My Way (1962-1963)
Gene Kelly: New York, Boston(1966)
Jack and the Beanstalk (1967) (também diretor)
The Funny Side (1971) (show cancelado em 4 meses)
Gene Kelly: An American in Pasadena (197
North and South (1985) (minissérie)
Sins (1986) (minissérie)

Trabalhos notáveis
“Singin’in the Rain” – Cantando na Chuva




Dançar, sapatear, cantar, celebrar o amor e o prazer!
Esses são alguns dos temas desse filme, o transformando em um dos musicais
mais populares e aclamados de todos os tempos.
Com muitas canções antológicas, com a música que dá o nome ao filme. É a
parte mais marcante e a cena mais vista de todos os musicais.
Tem como protagonista e também diretor Gene Kelly, que ao lado de Fred
Astaire, o mais talentoso astro de musicais.
Tem como enredo a passagem do cinema mudo para o sonoro, foi o momento em
que muitas estrelas do cinema perderam o brilho e o valor por causa das
vozes que nem sempre eram tão encantadoras como suas imagens.
É quando o astro Don Lockwood (Gene Kelly), com ajuda de seu parceiro
Cosmo (Donald O’Connor) e de sua namorada Kathy (Debbie Reynolds), tenta
inventar um modo novo de contar histórias.
“Cantando na Chuva” é um retrato de uma época, e ao mesmo tempo, puro
entretenimento e uma demonstração de como os sonhos na indústria do cinema
são feitos.

It's Always Fair Weather - Dançando nas nuvens


É um filme estadunidense de 1955 do gênero comédia musical produzido pela
MGM e dirigido por Gene Kelly e Stanley Donen.
O filme fala sobre a história de três soldados que se conheceram durante a
Segunda Guerra Mundial e se tornam amigos. Dez anos depois do fim da
guerra, eles decidem se encontrar novamente.
Sinopse
Terminada a Segunda Guerra Mundial, três ex-combatentes americanos e
grandes amigos combinam de se encontrarem dez anos depois em seu bar
favorito. Quando chega o dia marcado, os três percebem que estão muito
mudados e se odeiam: Ted virou um jogador e empresário de lutas de boxe
suspeitas, Doug é um pintor frustrado e agora trabalha com propaganda e
Angie é dono de lanchonete e pai de vários filhos. Doug encontra seu
patrão que lhe apresenta a bela produtora de TV Jackie. Ela precisa de uma
ideia para seu programa e resolve levar os três, sem que saibam, para que
contem na TV a história do reencontro.

Trilha Sonora
Felizmente, a trilha sonora original do filme se encontra disponível e foi
lançada pela Rhino Records.

Xanadu


Xanadu é um filme musical / romance americano de 1980 dirigido por Robert
Greenwald .. O título do filme é uma referência ao poema " Kubla Khan , ou
uma visão em um sonho: Um Fragmento ", de Samuel Taylor Coleridge , que é
citado no filme., Xanadu é o nome da província chinesa de Khan, que
estabelece a sua jardim do prazer no poema.
Xanadu estrela Olivia Newton-John , Michael Beck e Gene Kelly , e as
características da música por Newton-John, Electric Light Orchestra ,
Cliff Richard e The Tubes .. O filme também apresenta animação de Don
Bluth .


Fontes: wikipedia / Dicas de Dança